TECHNO BRITISH IN STYLE

2009-09-15T19:05:00.000-07:00

IRACEMA BEACH - CE BRAZIL

2009-07-16T08:40:00.000-07:00

FOTOLOG

2009-07-16T08:36:00.000-07:00

http://www.fotolog.com.br/psicodelic_sdko

SONY - V900

2009-07-01T08:50:00.000-07:00

Especificações:

Magnet: Neodymium Plug: Gold-plated, straight stereo

UniMatch plug with fixed mini plug and detachable phone plug

Headband: Wide, Adjustable, Single, folding ear cups

Design: Over-the-head, studio monitor

Type of Use: Portable, Home Case

Type: Pouch Frequency

Response: 5Hz - 80,000Hz Sensitivity: 107dB/mW

Impedance: 24 ohms Driver Unit: 50mm Power Handling

Capacity: 3000mW

Cord Length (Approx.): 10 ft (3.0m)

X Parada pela Diversidade Sexual do Ceará

2009-06-29T10:41:00.000-07:00

Em sua X edição, a Parada reuniu pessoas de diferentes tribos sexuais na Avenida Beira-Mar, em meio à festa e protestosAs diferentes opções sexuais, ainda motivo de muito preconceito em nossa sociedade, foi assumida e celebrada publicamente na X Parada pela Diversidade Sexual do Ceará, realizada, neste domingo, ao longo da Avenida Beira-Mar.De acordo com a Polícia Militar do Ceará, a passeata reuniu um público em torno de 650 mil pessoas (até às 20horas), bem inferior ao previsto pela organização do evento - que era de um milhão. No ano passado, a o evento mobilizou 800 mil pessoas.Consolidada como o terceiro maior evento do gênero no Brasil - perdendo só para São Paulo e Rio de Janeiro -, a Parada de Fortaleza repetiu o sucesso dos anos anteriores.Um público heterogêneo - que não se restringiu apenas aos homossexuais, lésbicas, bissexuais, travestis e transexuais - conferiu a festa, numa demonstração de que a discriminação vem aos poucos reduzindo e cedendo à aceitação das formas não convencionais de amar e ser amado.ColoridoPelo menos, neste domingo, durante a Parada, a diversidade sexual era um fato natural. As tribos dos LGBTT puderam assumir a sua condição sexual. O brilho da festa, como sempre, foi garantido pela animação dos trios e do colorido das bandeiras com as cores do arco-íris, das faixas e cartazes.Em meio a multidão, sobressaiam-se os modelos extravagantes dos travestis, que com muita pluma e paetê eram atração à parte da festa.O cortejo dos sete trios foi iniciado às 17 horas, em frente ao Náutico Atlético Cearense, encerrando-se por volta das 22 horas no Aterro da Praia de Iracema. Na comissão de frente , estava o trio do Grupo de Resistência Asa Branca (Grab), que coloriu a Avenida Beira-Mar com uma extensa bandeira de 25 metros.No trio do Grab, o destaque era a madrinha da Parada 2009, Vânia Dutra, ex-presidente da Associação das Primeiras Damas do Ceará, e os representantes do movimento LGBTT. Em seus discursos, os dirigentes das entidades conclamaram a sociedade para aderir a luta contra a homofobia, lesbofobia e transfobia.Ao defender a aprovação do projeto de lei que criminaliza a homofobia, o presidente do Grab, Francisco Pedrosa, disse que a impunidade é a maior causa de crimes praticados contra os homossexuais. De 1996 a 2008, foram assassinatos 58 pessoas do grupo LGBCTT no Ceará. Às 18 horas de ontem, houve um minuto de silêncio em homenagem às vítimas do preconceito.O segundo trio trouxe como destaque a prefeita Luiziane Lins, que foi considerada pelo presidente da AGBLT (Associação Brasileira de Gays, Lésbicas e Travestis), Toni Reis, como uma referência nacional em defesa dos direitos do segmento LGBCTT.A X Parada teve como tema “1969… 79… 89… 99… 2009… A Luta pelos Direitos LGBTT continua”. O tema lembra os 40 anos da rebelião de homossexuais contra policiais em Nova York, nos Estados Unidos, em 1969, e, também, marca a luta pelos direitos civis do movimento LGBTT.Em 1979 foi a fundação do movimento homessexual no Brasil, e 1989 foi a criação do Grab em Fortaleza.

2009-06-29T08:52:00.000-07:00

THE J.IKARI

The Koss UR29 collapsible headphones deliver bass-enhanced sound in a sturdy package suitable for both DJs and listeners on the go.
Closed leatherette ear cushions seal comfortably around the ears, which improves bass performance, blocks outside noise and prevents sound leakage. The padded adjustable headband ensures a comfortable fit for any shape of head.
And with ear cups that rotate and fold in, the UR29 headphones collapse into a protective package that is easy to carry and tucks away neatly into small spaces like computer and gaming consoles. A volume control on the cord makes it easy to adjust listening level.

It's well Sexy - FRONT MAGAZINE

2009-06-29T08:40:00.000-07:00

http://www.frontarmy.co.uk/

The J.Ikari

2009-06-23T15:45:00.000-07:00

Nose Art: A arte de pintar, entre outras coisas, as mais belas Pin-Ups em aviões militares!

2009-05-15T20:36:00.000-07:00

P-40, com o famoso focinho de tubarão e este ficou ultra convincente!

B-25

B-29 – Any Time. Qualquer tempo é tempo de contemplar uma Pin-Up!

Apesar de outros exemplos de arte que afrontam o padrão militar poderem ser encontrados em outros países de fala inglesa, o fenômeno é predominantemente americano, talvez pelo alto grau de rebeldia e individualismo atribuído àquela cultura. A Nose Art é um importante indicador histórico e social e, na sua qualidade de expressão da arte popular, serve como um registro valioso para ajudar a entender o passado.

B-17.

Uma das obras de Nose Art mais famosas pintada num B-17, a Memphis Belle.

Detalhe da pintura no nariz do B-25J Mitchell, N8195H Heavenly Body.

FRONT MAGAZINE

2009-04-28T18:56:00.000-07:00

http://www.myspace.com/frontmag

ELECTRO of DAY!

2009-04-27T18:08:00.000-07:00

JAYRO IKARI

2009-04-27T11:28:00.000-07:00

http://www.fotolog.com.br/PSICODELIC_SDKO

2009-03-17T19:14:00.000-07:00

PIN UP's

2009-01-07T08:00:00.000-08:00

PIN UP' s MODELS

MERRY CHRISTMAS!!! HOHOHO...

2008-12-22T06:24:00.000-08:00

O QUÊ? O NOEL DISPENSOU OS VEADINHOS?!?!?!

NOVA EQUIPE DO PAPAI NOEL!!!

MAMÃE NOEL

PS:. A MAIS DE MIL ANOS ELA REZA PARA QUE O VELHINHO BATA AS BOTAS...

E TOME GOLPE DO BAÚ NO VELHO!!!

PUNK!

NOEL SAFADÃO!!!

SE ELA FOR BOAZINHA, COM CERTEZA ELE DEIXA ELA POR A MÃO NO SACO DELE!

BOA MENINA!?

OU SERIA... QUE MANINA BOA?!

PAPAI NOEL MAMADO DE RUN E COCA-COLA

OLHEM SÓ AS BOXEXAS...

TANNING THE PERFECT STROKE

2008-12-18T11:25:00.000-08:00

THU GLAMOROUS MANNISH

2008-12-18T11:18:00.000-08:00

TECHNO DISCO

2008-12-18T11:13:00.000-08:00

SEXY !!!

2008-12-15T08:12:00.001-08:00

SUICIDE GIRLS

NOISE IN DOOR

2008-12-14T06:13:00.000-08:00

NEXT MIND THE GAP

_DESIGN_

2008-12-12T08:01:00.001-08:00

BY: JAYRO MOREIRA

CRAZY!

2008-12-12T02:58:00.001-08:00

Ahhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhh!!!!

LOUCURA

PAIXÃO

LOUCURA

PAIXÃO

LOUCURA!

LOUCURAAAAA!

LOUCURAAAAAAAA!

VIVE LA FETE

2008-12-03T07:49:00.000-08:00

THE ROCK

2008-11-19T07:51:00.000-08:00

Rock
Instrumentos musicais utilizados na criação de rock. À esquerda a bateria e à direita, a guitarra elétrica.
Origens estilísticas
R&B, Swing jazz, Blues, Rock and Roll

Contexto cultural
Cleveland, Detroit, New York City, Philadelphia Estados Unidos
Instrumentos típicos
Guitarra elétrica, baixo, bateria, teclado

Popularidade
Um dos estilos musicais mais populares desde a década de 1950
Formas derivadas
Alternative rock - Heavy metal - Post-rock - Punk rock

Subgêneros
Art rock - Christian rock - Classic rock - Desert rock - Detroit rock - Emo - Experimental rock - Garage rock - Girl group - Glam rock - Group Sounds - Grunge - Hard rock - Heartland rock - Instrumental rock -Indie rock - Jam band - Jangle pop - Krautrock - Power pop - Protopunk - Psychedelia - Pub [chat] (Aussie) - Pub rock (UK) - Soft rock - Southern rock - Surf - Symphonic rock

Gêneros de fusão
Aboriginal rock - Afro-rock - Anatolian rock - Blues-rock - Boogaloo - Country rock - Flamenco-rock - Folk rock - Indo-rock - Punk rock - Jazz fusion - Madchester - Merseybeat - Progressive rock - Punta rock - Raga rock - Raï rock - Rockabilly - Rockoson - Samba-rock - Space rock - Stoner rock

Cenas regionais
África do Sul - Alemanha - Argentina - Armênia - Austrália - Áustria - Bélgica - Bielorrússia - Bósnia-Herzegovina - Brasil - Camboja - Canadá - Chile - China - Cuba - Croácia - Dinamarca - Eslovênia - Espanha - Estados Unidos - Estónia - Filipinas - Finlândia - França - Grécia - Hungria - Índia - Indonésia - Irlanda - Israel - Islândia - Itália - Iugoslávia - Japão - Letónia - Lituânia - Malásia - México - Nepal - Nova Zelândia - Noruega - Países Baixos - Peru - Polônia - Portugal - Reino Unido - República Dominicana - Rússia - Sérvia - Suécia - Suíça - Tailândia - Turquia - Ucrânia - Uruguai - Zâmbia

Outros tópicos
Backbeat - Ópera rock - Hall of Fame - Cantores(as) - Bandas

A música Rock (ou simplesmente Rock) é um termo abrangente para definir gênero musical popular que se desenvolveu durante e após a década de 1960. Suas raízes se encontram no rock and roll e no rockabilly que emergiu e se definiu nos Estados Unidos da América no final dos anos quarenta e início dos cinqüenta, que evoluiu do blues, da música country e do rhythm and blues, entre outras influências musicais que ainda incluem o folk, o gospel, o jazz e a música clássica.

Todas estas influências combinadas em uma simples estrutura musical baseada no blues que era "rápida, dançável e pegajosa".

No final dos década de 1960 e início dos anos setenta, o Rock desenvolveu diferentes subgêneros. Quando foi misturado com a folk music ou com o blues ou com o jazz, nasceram o folk rock, o blues-rock e o jazz-rock respectivamente. Na década de 1970, o Rock incorporou influências de gêneros como a soul music, o funk e de diversos ritmos de países latino-americanos. Ainda naquela década, o Rock gerou uma série de outros subgêneros, tais como o soft rock, o glam rock, o heavy metal, o hard rock, o rock progressivo e o punk rock. Já nos anos oitenta, os subgêneros que surgiram foram a New Wave, o punk hardcore e rock alternativo. E na década de 1990, os sub-gêneros criados foram o grunge, o Britpop, o indie rock e o nu metal.

O som do Rock muitas vezes gira em torno da guitarra elétrica ou do violão e utiliza um forte backbeat (contratempo) estabelecido pelo ritmo do baixo elétrico, da bateria, do teclado, e outros instrumentos como órgão, piano, ou, desde a década de 1970, sintetizadores digitais. Junto com a guitarra ou teclado, o saxofone e a gaita (estilo blues) são por vezes utilizados como instrumentos solo. Em sua "forma pura", o Rock "tem três acordes, um forte e insistente contratempo e uma melodia cativante"

A maioria dos grupos de rock são constituídos por um vocalista, um guitarrista, um baixista e um baterista, formando um quarteto. Alguns grupos omitem uma ou mais destas funções e/ou utilizam um vocalista que toca um instrumento enquanto canta, às vezes formando um trio ou duo; outros ainda adicionam outros músicos, como um ou dois guitarristas e/ou tecladista. Mais raramente, os grupos também utilizam saxofonistas ou trompetistas e até instrumentos como violinos com cordas ou cellos.

1 Estilos do rock
2 Início dos 1950 até 1960
2.1 Rock and roll
2.2 British Rock
2.3 Garage rock
2.4 Surf music
3 Movimentos contraculturais (1963-1974)
3.1 Folk rock
3.2 Rock psicodélico
3.3 Rock Progressivo
3.4 Glam rock
4 Segunda metade da década de 1970 e anos 1980
4.1 Hard rock e heavy metal
4.2 Arena rock
4.3 Punk rock
4.4 New Wave
4.5 Pós-punk
4.6 Glam metal
4.7 Rock alternativo
5 Década de 1990
6 Década de 2000
7 O Rock no Brasil
8 O Rock em Portugal
9 Referências
10 Ver também
11 Ligações externas

BRITISH ROCK

No Reino Unido, o movimento trad jazz levou muitos artistas do blues a visitar o país. Enquanto estava desenvolvendo o Concorde, o sucesso "Rock Island Line", de Lonnie Donegan, em 1955, foi a principal influência e ajudou a desenvolver uma nova tendência de grupos musicais de skiffle em todo a Grã-Bretanha, incluindo o Quarry Men, de John Lennon. Foi em solo britâncio que se desenvolveu uma grande cena rock and roll, sem as barreiras raciais que mantiveram a "gravações de raça" ou rhythm and blues separados nos Estados Unidos.
Cliff Richard emplacou o primeiro sucesso britânico de rock 'n' roll com "Move It", que efetivamente inaugurou o rock britânico. No início da década de 1960, o seu grupo de apoio The Shadows foi um dos vários grupos a obter sucessos instrumentais. Enquantoo o rock 'n' roll caminhava em direção a um pop leve e a baladas fora de moda, grupos de rock britânicos, fortemente influenciados por pioneiros do blues-rock como Alexis Körner, tocavam cada vez mais em clubes e bailes locais e se distanciavam do rock and roll dos brancos norte-americanos.
Até o final de 1962, a cena do rock britânico tinha ganhado grupos como Beatles debruçados sobre um vasto leque de influências que incluiam a soul music, o rhythm and blues e a surf music. Inicialmente, eles reinterpretaram sucessos-padrão norte-americanos, tocados para dançarinos de twist, por exemplo. Esses grupos acabaram introduzindo em suas composições originalidade, som distinto e conceitos musicais cada vez mais complexos. Em meados de 1962, os Rolling Stones foram um dos numerosos grupos surgidos e que mostravam uma influência blues cada vez maior, juntamente com os Animals e os Yardbirds. No fim de 1964, as bandas The Kinks, The Who e The Pretty Things representavam o novo estilo Mod. Perto do final da década, grupos de rock britânico começaram a explorar estilos musicais psicodélicos que faziam referência a subcultura das drogas e experiências alucinógenas.

Homem pinta mangás em três supercarros

2008-11-17T07:40:00.000-08:00

Está vendo os carros das fotos? São de um homem que já deixou se ser criança há um bom tempo que se chama Yoshida, um fanático por jogos eletrônicos e presidente da AGE SOFT, do ramo de videogames. Repare que os três carrões do senhor Yoshida (Lamborghini Gallardo, BMW M5 e Lancia Stratos) foram pintados com mangás, personagens de histórias em quadrinhos que se popularizaram a partir dos anos 50.
Os três esportivos foram mostrados no último final de semana em um evento importante no Japão, o Itasha, feito para quem tem carros pintados com o mesmo estilo. Os carros de Yoshida já ficaram famosos no mundo inteiro. E não é para menos, além de participar de exposições, ele diz que costuma usá-los no dia-a-dia, mesmo para ir a reuniões de negócios.

http://www.auto-otaku.com/home/2007/10/index.html

http://carmagazine.uol.com.br/materia/?id=08111711202606

It's Art!

2008-11-14T08:01:00.001-08:00

Cortes & Recortes

2008-11-13T07:49:00.000-08:00

http://junkiecareta.blogspot.com/

Kombis ‘psicodélicas’ entram em campanhas beneficentes

2008-11-13T02:11:00.000-08:00

Kombis com desenhos ‘psicodélicos’ são objetos de duas campanhas beneficentes na Inglaterra e nos Estados Unidos. Uma Kombi estilizada com a bandeira da Inglaterra e uma estampa da famosa banda The Who será sorteada pela internet em uma campanha para arrecadar fundos para um instituto de combate ao câncer. Quem quiser concorrer à Kombi do The Who autografada por Roger Daltrey e Pete Townshend deve se inscrever no site http://www.thewhomagicbus.com/ e pagar uma taxa de 5 libras (R$ 16,78).
A inscrição dá direito ao download grátis de uma apresentação da banda cantando “Magic Bus”, música gravada pelo The Who em 1968, que faz parte do álbum “The Who on Tour” do mesmo ano. Parte da renda será destinada à fundação Teenage Cancer Trust (TCT). A Kombi do The Who, modelo de 1965, estará exposta até o dia 15 no Royal Albert Hall, em Londres.
Miniaturas

Nos Estados Unidos, 40 artistas pintaram miniaturas de Kombis produzidas pela Hot Wheels no melhor estilo psicodélico para uma exposição de fotos em Los Angeles.

As miniaturas, avaliadas entre US$ 300 e US$ 5 mil dólares, serão vendidas ao final da exposição e parte do dinheiro será destinada às obras da Fundação para Crianças com o Vírus da Aids (Caaf).

Fonte: globo.com
Indique Kombis ‘psicodélicas’ entram em campanhas beneficentes para seus amigos!

SUICIDE GIRLS

2008-10-24T03:21:00.000-07:00

Garotas com muita atitude, sensualidade, piercings e muitas tattoos revelam que não só as filhinhas de papai tem vez ...
ELAS TAMBÉM SÃO MUIIIIIIIIITO SEXYS BABY!!!
(suicide girls)

MILAN FASHION WEEK 2008 (images)

2008-10-23T08:37:00.000-07:00

From UK, the british style

2008-10-23T03:41:00.001-07:00

Calça skinny, All Star, camisetinhas de banda e muitos acessórios incríveis. A Revista CAPRICHO te apresenta a From UK, tribo que mistura estilos e arrasa no visual(Matéria super legal da revista desse mês).

Se você é do tempo em que ser from uk significava ter nascido em algum dos países britânicos (United Kingdom ou Reino Unido = Inglaterra, Escócia, País de Gales e Irlanda do Norte), você certamente não acessa o Myspace.

O site de relacionamento é hoje o grande disseminador da tribo dos from uk, um novo estilo que mistura comportamento desencanado, exposição da própria imagem no mundo virtual e muita, muita moda, importada dos jovens britânicos e seus visuais moderninhos.

Para ser um autêntico from uk, alguns elementos são essenciais: calças skinny justésimas, camisetas de bandas indies ou com estampas fofas (Hello Kitty, Glommy, caveirinhas e cifrões são super in), soqueiras inglesas (as famosas brass knuckles), meias do tipo arrastão ou coloridas, coroinhas de princesa, maxi bolsas e óculos retrô igualmente grandes. Os itens podem ser adquiridos em lojas de grife ou em lojas populares e brechós, tanto faz, desde que a montação final seja fashion e estilosa.Nos pés, All Star branco, s-e-m-p-r-e. Nike ou Adidas old school, sapatilhas de boneca, pantufas, botas plataforma e finíssimos scarpins também são bem aceitos.

O que importa é copiar o estilo descolado de quem mora acima dos trópicos onde, segundo Adeilton Fernandes (mais conhecido como ad$Fernanndes), 17 anos, as pessoas são mais liberais e é possível andar na rua sem ouvir alguém gritar “olha o emo!”.From uk x EmoOs dois estilos, aliás, são freqüentemente comparados. Há quem considere os From UK um tipo de “pós-emo” ou “emo de luxo”.

Muitos adeptos da moda britânica rejeitam essa analogia, mas a verdade é que, de fato, ambos têm a mesma origem.Quem explica é a estudante Annie R., de 19 anos, que mora na Inglaterra. De acordo com ela, o que se convencionou chamar, no Brasil, de from uk nada mais são do que os próprios emos ingleses. “Tudo começou na internet, porque bem antes disso já se entendia que emo era quem usava coisas como camisetas listradas, lacinho no cabelo e munhequeira. Depois do Myspace, as pessoas daí passaram a ver como era cool aqueles visuais glamourosos dos jovens daqui (a maioria deles se identificava como “from uk”, por isso o nome), e adotaram o estilo”, explicou.

Hoje os adeptos da nova tribo deixaram para trás as estampas meramente xadrez e as enormes franjas sobre os olhos, típicas do emo style, para investir em cores vibrantes, make carregada e cabelos desconectados. Vale, por exemplo, apostar forte em cílios postiços, delineador bem definido nos olhos e muito blush sobre a pele clareada por pó e base (inclusive para os meninos).Na cabeleira, os fios podem ser desfiados, tingidos de branco e preto ou colorido, cortados de baixo para cima, alongados ou repicados. Também é legal usar costeletas gigantes, nucas “espinhadas” e franja bem armada.

Nesse último caso, é importante ter sempre à mão, um poderoso hairspray, normalmente passado várias vezes, para garantir o jeitão Amy Winehouse de ser – na versão sóbria e penteada.“Vá até um salão e peça para cortar estilo Chitãozinho e Xororó. Para ajeitar, uso sempre pente fino, laquê e pomada capilar. Meu corte é minha mãe quem faz. Caso não ache uma boa cabeleireira, faça você mesmo com uma boa navalha”, ensinou Fabieli Cristina, 15, conhecida como Bulimic.

Outra marca registrada dos adeptos do from uk são as tatuagens, alargadores de orelha e piercings, principalmente no septo, entre os olhos, nos lábios e ao lado da boca (conhecidos como snake bites), muitas vezes usados todos juntos. O que interessa é se destacar da grande maioria, criar um estilo único e mostrar o visual na internet, claro.

Exibição virtualEssa, aliás, é mais uma das maiores diferenças entre os emo e a tribo from uk; enquanto os primeiros escutam músicas emotivas e cultivam a introspecção, os segundos preferem sons mais pesados como rock alternativo, indie rock e new metal, e colecionam amigos nos sites de relacionamento.Ashley, 21 anos, assume que é legal tirar “fotos chocantes” para fazer sucesso na web, enquanto Vinícius Pontel, 16, admite: “Vendo as fotos de meninas e meninos perfeitos, lindos, ousados e diferentes, acabei tendo vontade de também ser popular no Myspace, Orkut, Vampirefreaks”.

A receita para isso? A resposta parece ser quase unânime: “ter um estilo, seguir um padrão, mas sem deixar de ser você mesmo”, como disse Bruno Boo, 18 anos. O difícil é conseguir alcançar esse desejo quando os membros de uma mesma tribo buscam sempre ser tão diferentes uns dos outros que acabam todos iguais. Apenas alguns se destacam. E possivelmente serão esses que darão início à próxima moda.

London Fashion Week ( LFW )

2008-10-22T03:44:00.000-07:00

A moda não pára. De Nova Iorque, seguiu para a capital inglesa, Londres, que a semana passada, recebeu a London Fashion Week. Foram seis dias de desfiles, dos quais selccionámos os nosso favoritos. Vivienne Westwood, Sinha-Stanic, Eley Kishimoto, Central saint Martins, Peter Jensen, House of Holland e Gareth Pugh merecem, quanto a nós, medalha de ouro e um destaque especial no Black-is-Back.
Fiquem a conhecer melhor o percurso dos contemplados e as colecções para o próximo Inverno.

Gareth Pugh

Gareth Pugh nasceu em 81 em Inglaterra. Começou a trabalhar apenas com 14 anos como figurinista e cursou moda em St. Martins. Dois meses depois de terminar o seu curso, e após ter exibido a sua colecção final com balões a acentuar volumes (uma das suas imagens de marca), participou no reality show inglês “Fashion House”, do qual saíu vencedor.
“WOWOW” na Dazed and Confused e a colecção que criou para a Kashpoint Alternative London Fashion Week puseram-no na mira da Fashion East, e daí até hoje foi um salto.
A sua estreia na semana de moda de Londres para o Outono/Inverno 06 catapultou-o para a fama; a prova é que Anna Wintour (o “Diabo que veste Prada” da Vogue Inglesa) Kylie Minogue e Roisin Murphy são suas fãs.
Excêntrico, irreverente, negro, Gareth é o enfant terrible da moda inglesa, é o expoente da moda como performance, seguindo a linha de Alexander McQueen, Vivienne Westwood e John Galliano.

Central SaintMartins

O Central Saint Martins College of Art and Design integra a Universidade de Artes de Londres e nasceu da união da Central School of Art & Design e da St. Martins Scool of Art, em 1989.
Actualmente, a Central Saint Martins é uma das instituições de arte internacionalmente reconhecidas, construindo pontes entre arte, comunicação, design e moda. Com cursos de Arte, Moda, design gráfico, teatro (..), a escola é um marco, que formou, entre outros talentos, grandes designers de moda mundialmente conhecidos, tais como Alexander Mcqueen, John Galliano ou Stella McCartney.

Eley Kishimoto

Mark Eley and Wakako Kishimoto começaram a trabalhar juntos no início da década de 90. Conhecidos pelo seu trabalho inteligente no desgin têxtil (os padrões são, por excelência, a sua marca), correram as passerelles das semanas de moda de todo o mundo, trabalhando com Louis Vuitton, Marc Jacobs, Alexander Mcqueen, entre outros...
Com o lançamento da primeira colecção feminina, a dupla ganhou lugar cativo no mundo da moda, que, desde então, e por influência do trabalho de Eley Kishimoto, assistiu a um ressurgir dos padrões no design internacional.
Embora seja na moda que reside a actividade, por excelência, da dupla de designers, Eley e Kishimoto trabalham noutros campos, tais como o design textile, arquitectura e design de automóveis (tendo estado envolvidos no lançamento do Volkswagem GTI).

House of Holland

Henry Holland, estilista e jornalista da revista Bliss, é um dos ícones emergentes na cena underground londrina.
De uma brincadeira entre Holland e Gareth Pugh nasceram as t-shirts com frases estampadas, que o catapultaram para o sucesso quando usadas por Gareth Pugh e Giles Deacon nuna edição da semana de moda de Londres; a de Pugh dizia “Get your freak on Giles Deacon” e a de Deacon “UHU Gareth Pugh”.
Nasceu assim a colecção Fashion Groupies, t-shirts com slogans hilariantes acerca dos seus designers e celebridades favoritos, das quais não podemos deixar de nomear “Do Me Daily Cristopher Bailey” e “Give Me a Tickle Richard Nicoll

As modelos que nos facinam a cada desfile...
Lindas elas conquistam os olhares de todos os que assistem e participam deste grande evento da moda londrina .

Decoração

2008-10-21T08:28:00.000-07:00

Velas criam uma atmosfera aconchegante
Na cama, dê preferência para cores claras. Escolha lençóis e edredons macios e de fibras naturais.

Em espaços pequenos, prefira cores claras.
Almofadas com estampas diversas em sofás e poltronas ficam interessantes juntas quando formam um composé legal de cores e padrões.
Ambientes sem separação parecem maiores, assim elimine portas entre cômodos.

Use diferentes tons de louças e cristais e crie uma atmosfera interessante para o jantar.
Não hesite em exibir objetos pessoais que contam sua história e criam uma relação entre você e sua casa.

A moda pode apresentar tendências e sugestões. Não encare isso como obrigação.
Invista na natureza, ela continua em alta. A vegetação natural dá um toque especial aos ambientes. Motivos florais estão evidentes em tecidos e em detalhes nas paredes. Além, é claro, da madeiras e revestimentos que são utilizados em seu estado original ou reproduzidos com tecnologia, mantendo seu aspecto artesanal.

Flores naturais dão um toque de frescor e alegria à qualquer ambiente. Experimente combinar folhas de plantas que estão à sua disposição com algumas gérberas de cores diferentes. O resultado é um belo vaso colorido, e o melhor - gastando muito pouco.

Quadros - não existe quadro indicado para este ou aquele ambiente. Entretanto, o estilo do quadro pode acompanhar o estilo da decoração. Por exemplo, se a sua sala de jantar é clássica, uma boa pedida é um quadro de natureza morta. Na sala de estar do mesmo estilo, telas de paisagem caem bem.

Cores

Como acertar ao escolher a cor das paredes

Escolher a cor das paredes é um importantíssimo passo, que determinará toda a decoração. Além disso, é vital para fazer com que um cômodo pareça mais amplo, alegre, luminoso, quente...

Antes de pintar, é importante consultar vários mostruários, pois varia muito dependendo da marca da tinta. Escolha um tom mais claro do que você gosta, pois a tinta tende a escurecer uma vez aplicada na parede. Peça ao píntor que realize várias amostras de 1m² sobre várias paredes. Deixe-as secar e as observe em diferentes horas do dia. O efeito ótico varia segundo a quantidade de luz e sua intensidade.

Cores e suas influências
Dicas sobre Cores:

Amarelo, alegre e vital: inunda sua casa de luz.
Um cômodo pintado com esses tons desperta o intelecto e estimula a criatividade. Fica perfeito em espaços escuros, pois potencializa a luz natural e também em quartos infantis, cozinhas e banheiros, já que são capazes de criar ambientes com energia. Combina bem com madeiras claras e enfatiza as escuras. Se aplicá-lo em dormitórios, melhor optar pelas tonalidades claras, mais indicado para um ambiente de descanso. Fica muito bem se combinado com complementos e roupas de cama em ocre, beje, marrons ou branco.

Laranja, fonte de energia: personaliza cada canto.
Com a luminosidade do amarelo e a impulsividade do vermelho, a cor laranja ajuda a se relacionar, desperta o apetite e diminui a fatiga. Os tons mais "escuros" contagiam um cômodo com seu calor. Seus tons mais suaves potencializam a luz e é ideal nos ambientes rústicos. Pode-se usar ainda um tom intenso para expressar personalidade a um canto ou à uma parede. Realça a beleza das madeiras, as fibras vegetais e o couro. Por ser tão versátil, encaixa-se bem em todo tipo de estilo e em qualquer cômodo.

Vermelho, vital e envolvente: mostra personalidade.
A cor do fogo aplicada nas paredes transmite vitalidade e desejo de ação.Os tons mais intensos, como o vermelho inglês e o cereja, precisam de cozinhas, salões ou banheiros amplos e luminosos, para poder criar ambientes íntimos e envolventes. Os bordôs mais apagados conseguem espaços acolhedores e de ar natural, sempre que combinados com outros revestimentos e móveis claros. Suas variações mais suaves - como o morango - são muito fáceis de integrar. Transmitem dinamismo e são mais dinâmicos que os anteriores, pode-se usar, inclusive, em quartos infantis (detalhes). Curiosidade: Uma simples contemplação de uma superfície vermelha pode acelerar o nosso pulso.

Verde, luminoso e fresco: produz um efeito sedante.
A cor da esperança e da segurança, associada à natureza, é adequada para pintar qualquer ambiente, sobre tudo salas e zonas de trabalho e estudo. Calmante e luminoso, é capaz de criar ambientes acolhedores em sua tonalidade escura; alegrar espaços pequenos se escolhido um verde água ou maçã; encher de personalidade uma parede pintada em pistache. Enquanto que os verdes claros têm um tom mais atrevido, os escuros se revelam mais sofisticados. Ao ser quente e frio - por surgir da mistura do azul e do amarelo -, pode-se combinar o verde com qualquer outra cor.

Azul, relaxante e tranqüilo: ajuda a conciliar o sono.
Evoca o céu e o mar e. Por seu efeito relaxante e tranqüilizador, é perfeito para pintar as paredes de dormitórios, escritórios e as salas de referições diárias. O azul claro é um clássico em quartos de meninos, pois acalma sua energia; o anil alegra ambientes escuros, já que transmite claridade, enquanto que o lavanda cria sensação de profundidade em espaços pequenos, ao alargar visualmente as paredes. Em qualquer tonalidade harmoniza com peças pintadas em branco e ressalta madeiras claras. Fica muito bem se usado em casas costeiras, para recriar salas, banheiros ou cozinhas de estilo mediterrâneo ou marinho.
Dica: Tenha cautela com os tons mais escuros e com ambientes monocromáticos, que levam à introspecção - situação não recomendável para pessoas depressivas.

Lilás e rosa, toque ingênuo: casa muito bem com o branco
O rosa representa a beleza e a ingenuidade, ainda que em suas tonalidades escuras se torna mais sofisticado. A lavanda, por outro lado, é a cor da cordialidade e da delicadeza. Com matizes semelhantes, acerta-se em dormitórios infantis e em espaços decorados com móveis brancos. Os rosas pastel e lilás harmonizam bem com as cores frias, enquanto que os tons salmão e coral combinam melhor com os tons quentes. Os tons pálidos ficam melhores em cômodos pequenos, uma vez que se perdem se o espaço for grande. Fica muito bem com a presença de trechos brancos e decoração delicada.
Os tons violetas estão ligados à intuição e a espiritualidade, por isso indicado para locais de meditação. Os seus tons claros acalmam e aconchegam, contudo em tons fortes, pode agravar o estado depressivo.

Branco, paz: multiplica a luz e o espaço.
É um dos mais utilizados na hora de pintar os espaços pequenos ou com pouca luz natural, como corredores e halls de entrada, pois reflete a luz e dá a sensação de ampliar o espaço. Passa o sentimento de infinito e estimula a imaginação criativa. A cor "osso" é recomendada para salões luminosos, já que valorizam a entrada de luz e combinam com qualquer madeira. Além de tudo, os móveis e os complementos escuros se destacam mais sobre um fundo branco. É perfeito para disfarçar um pilar. Para que o resultado não seja muito frio, convém incorporar telas e detelhas em cores quentes.

Creme e beje passam serenidade e realçam a decoração.
Podem ser quentes ou frias, depende a cor à qual se associe. Elegantes, possuem um efeito calmante, o que os tornam perfeitos para decorar as paredes de salas e dormitórios. De qualquer forma, pela sua neutralidade, encaixam bem em qualquer cômodo e estilo. O resultado é perfeito, quando a intensão for dar profundidade a um corredor estreito, iluminar um espaço escuro ou passar calor a um ambiente frio. Ressaltam a textura de telas (pinturas) e de móveis de madeiras escuras. Para criar um ambiente natural, pode-se utilizar também a mesma gama de neutros em tecidos e complementos.

Tons terra, muito quentes: ambiente natural e sóbrio.
Se associam a pessoas realistas, muito seguras de si mesmas e simbolizam a conexão com a natureza. Em todas suas variedades - areia, argila, terra, terracota... - estas cores quentes recriam salas e dormitórios naturais e frescos, ou cozinhas e banheiros sóbreos e originais. Para caracterizar um cômodo, é aconselhável um forte terracota; e se deseja uma sala mais luminosa, prefira um tom mais dourado e quente como o caramelo.
Sua consistência terrosa proporciona a estas cores um aspecto natural, ainda mais bela quando entra em contato com a luz.

Preto, ausência de cor
É a cor que menos reflete luz. O ideal é que ele seja utilizado moderadamente como recurso para realçar outras cores, em detalhes, do que em grandes áreas. Pode expressar agressividade.

Dicas de Pintura:

Para encurtar seu ambiente: Aplique tons escuros nas paredes menores. Essa técnica é recomendada para espaços muito compridos/retangulares.
Para alongar seu ambiente: Aplique cores mais escuras em duas paredes opostas. Essa técnica é ideal para espaços quadrados.
Para rebaixar o teto: Você deve aplicar cores mais claras nas paredes e uma cor mais escura no teto.
Para elevar o teto: Você deve aplicar cores mais escuras nas paredes e uma mais clara no teto.
Para alargar o corredor: Você deve pintar as paredes menores e o teto com tons mais escuros. As outras paredes devem ser pintadas com cores mais leves.
Para alongar a parede: Você deve aplicar duas cores numa mesma perde, com a divisa à meia altura. Pinte com cores mais escuras a parte inferior e utilize tons leves na parte superior.
Para encurtar a parede: Você deve aplicar duas cores numa mesma parede, com divisa à meia altura. Pinte com cores mais claras a parte inferior e utilize tons escuros na parte superior.
Para disfarçar objetos: Pinte a parede com cores próximas a do objeto.
Para valorizar objetos: Pinte a parede com cores contrastantes a do objeto.
As cores frias, como azul, violeta e verde, ampliam o ambiente. São aconselháveis para aqueles que desejam passar uma sensação de espaço e dimensão.
Cores quentes, como vermelho, amarelo e laranja, tornam o ambiente visualmente menor. Além disso, são estimulantes.
Carnaval, só na avenida. A utilização de muitas cores "alegres" juntas pode causar confusão visual. O contraste impactante, mas com número moderado de cores, é mais bem-vindo.
Quanto mais escuras, mais "pesadas" são as cores. Por isso, existe a tendência de utilizar tons escuros próximos ao chão, com a finalidade de fundamentar o ambiente. A falta delas torna o cômodo visualmente opressivo, como num hospital.
Se estiver na dúvida, trabalhe com apenas uma cor, variando seus tons e matizes. Para quebrar a monotonia, detalhes contrastantes e mobília em cores diferentes são aconselháveis.
O design da mobília fica favorecido se houver contraste entre sua cor e os tons da parede.
Cores primárias, quando usadas em demasia, cansam a vista. Para áreas grandes, como paredes, prefira tons mais claros da mesma cor.
Cores complementares são importantes para dar harmonia ao ambiente. Veja qual complementa qual : Azul / Laranja ; Roxo / Amarelo; Vermelho / Verde.

Na cama, dê preferência para cores claras. Escolha lençóis e edredons macios e de fibras naturais.
Em espaços pequenos, prefira cores claras.
Almofadas com estampas diversas em sofás e poltronas ficam interessantes juntas quando formam um composé legal de cores e padrões.
Ambientes sem separação parecem maiores, assim elimine portas entre cômodos
Use diferentes tons de louças e cristais e crie uma atmosfera interessante para o jantar.
Não hesite em exibir objetos pessoais que contam sua história e criam uma relação entre você e sua casa. A moda pode apresentar tendências e sugestões. Não encare isso como obrigação. Invista na natureza, ela continua em alta. A vegetação natural dá um toque especial aos ambientes. Motivos florais estão evidentes em tecidos e em detalhes nas paredes. Além, é claro, da madeiras e revestimentos que são utilizados em seu estado original ou reproduzidos com tecnologia, mantendo seu aspecto artesanal.

Piscinas

Conheça e compare o tipo de piscina mais adequado para o seu terreno, bolso e gosto.
As piscinas estão mais populares. Ter uma no quintal de casa é mais fácil e mais barato do que você imagina!
viasites A evolução tecnológica trouxe novos materiais - o vinil e a fibra de vidro – que reduziram muito o custo do produto.

Além disso, ainda foram criadas facilidades no pagamento. Por conta disso, o perfil do consumidor mudou e as piscinas não são mais privilégio das classes sociais altas e estão cada vez mais populares.
Antes de escolher entre um tipo e outro, certifique-se do espaço disponível no terreno, do quanto pretende gastar e do tempo necessário para a sua construção. O prazo de instalação varia de acordo com tamanho, formato e material de que é feita a piscina.
As de fibra de vidro ou de vinil saem mais em conta do que as de concreto, porém os modelos de fibra levam vantagem no tempo de instalação. As de concreto e vinil são mais versáteis, pois não tem limitações de formato ou tamanho. A escolha, entretanto, depende de cada situação. Qualquer um dos tipos, desde que sejam tomados cuidados freqüentes de manutenção, podem durar por tempo indeterminado. Confira abaixo alguns detalhes sobre os diversos tipos.
Piscinas de concreto
Piscinas de concreto armado têm vida longa. Elas possuem uma estrutura de ferro (malha de ferragem estrutural) e o fundo é concretado. Se a impermeabilização das paredes for malfeita, podem surgir problemas de vazamento e trincas. As piscinas com tipo de material chegam a custar até três vezes mais que os outros e levam mais tempo para ser construídos. Mas, em compensação, podem ter a forma e o tamanho desejados. Quando bem feita, a piscina de concreto dura por tempo indeterminado sem apresentar nenhum problema. Mas, se não for construída adequadamente, os reparos são mais caros e complicados.
Piscinas de Vinil
Com base em alvenaria e revestida por um filme de PVC com espessura que varia de 0,6 mm a 0,8 mm, a piscina de vinil - assim como a de concreto -, também pode ser feita no formato e tamanho desejado. Por outro lado, esse tipo de revestimento está sujeito a cortes acidentais, causados por objetos pontiagudos. Se isso ocorrer, os especialistas garantem que o reparo é bastante simples e pode ser feito mesmo debaixo d’água.
Encontrada em várias estampas, esse tipo de piscina precisa de pouco tempo para ser instalada. Com os devidos cuidados e manutenção ela dura muitos anos.
Fibra de vidro
Mais barato e mais rápido de instalar, esse tipo possui algumas restrições de formato e transporte. Os modelos e tamanhos são pré-definidos pelo fabricante e a instalação se torna inviável em terrenos ou locais de difícil acesso, como coberturas de edifícios.
Apesar de amplamente comercializada, pode, com o tempo, apresentar bolhas ou fissuras no material. Mas, segundo os fabricantes, além de muito raros, esses problemas são facilmente remediados. Em geral, se forem feitas manutenções regulares e adequadas, as piscinas de fibra mantêm suas características originais por um período de até 10 anos. Uma dica: antes de comprar, verifique a espessura da fibra e opte sempre pela mais grossa. O prazo médio de instalação é de 7 a 10 dias.

Mustang 1967

2008-10-18T04:55:00.001-07:00

1967 represented the first redesign for Mustang. The front grille kept the running pony in the corral, but vertical and horizontal bars returned, and the grille opening was enlarged. The side scoops, though non-functional, were designed as two smaller scoops with inlets and were painted the body color. Despite the body style change, coupes, fastbacks, and convertibles were still offered, but the fastback in 1967 extended fully to the rear, giving the car a beefier look than the shorter fastbacks used in 1965 and 1966.

http://www.winningcollection.com/awards.php

MY TATTOO

2008-10-17T04:21:00.000-07:00

SATURDAY in MUSIC BOX (Noise 3D project)

2008-10-16T03:41:00.000-07:00

LONDON at NIGHT & (undergound)... A Red Bus !!!

2008-10-16T03:21:00.000-07:00

THE BRITISH FASHION WORLD MEASURES

2008-10-15T03:37:00.000-07:00

SUICIDE GIRLS

2008-10-13T16:45:00.000-07:00

Gilrs and Tattoos

2008-10-09T19:38:00.000-07:00

Mini Cooper "A british passion!"

2008-10-08T09:18:00.000-07:00

A OUSADIA DOURADA NUNCA ACABA

2008-10-06T16:54:00.000-07:00

ANOS DOURADOS NO SÉCULO XXI

A OUSADIA DE NOSSOS PAIS QUE CORREM EM NOSSAS VEIAS

ANOS 60, TAMBÉM CONHECIDO COMO OS ANOS DOURADOS
A EPOCA DO SEXO , DROGAS E MUITO ROCK'N ROLL BABY...

MODA JOVEM

2008-10-03T09:00:00.000-07:00

Women's and beer... PERFECT T-SHIRT's

2008-10-02T12:20:00.000-07:00

Moda na década de 1980

2008-09-25T08:57:00.000-07:00

A moda anos 80 (tempo compreendido entre 1980 a 1989), a new wave (nova onda - em inglês), inspirou-se basicamente na onda da geração saúde e da febre da ginástica aeróbica. Contrariando a moda dos anos 60 e 70, onde em um vestuário da moda prevalecia roupas largas, artesanais e de inspiração indiana, nos anos 80 o uso de roupas de ginástica (lycra, sapatilha, polaina) no cotidiano, combinadas a roupas excêntricas e exageradas, com cores cítricas, estampas de animais e sobretudo muito alegres, foi sem dúvida o grande marco na moda da época.

Índice
1 História
1.1 Universo tecnológico
1.2 O corpo perfeito
1.3 A moda e a música
1.4 Maquiagem e acessórios

Universo tecnológico
Com todas o avanço tecnológico, a moda oitentista se baseou em tudo que era novo, moderno e eletrônico. O Japão, foi um dos grandes países inspiradores da moda da época. O surgimento do stretch dava um ar futurista as roupas, mesmo assim, várias pessoas aderiam aos brechós procurando a moda do armário da "vovó". Os cabelos aderiram um corte assimétrico, com franjas repicado. Muitos usavam com gel, e mantiam um topete tão alto quanto conseguiam. A tintura com cores exóticas e marcantes se tornou mais frequente entre os jovens. Mesmo com tom de constante inovação, vários estilistas preferiam manter o tom sóbrio de suas roupas , não aderindo a moda futurista. Foi como o famoso estilista Giorgio Armani fez, com seus cortes sóbrios garantiu a elegância de homens e mulheres que se adaptavam ao estilo clássico.huhuh

O corpo perfeito

Para a época, ser bem vestido era apenas um detalhe se não houvesse um belo corpo. A febre da malhação e ginástica, veio acompanhada das inúmeras academias que se estendiam cada vez mais pelos centros urbanos. Entre os jovens, era comum irem a academias para aulas de dança com música ritmadas, vestidos com collants e polainas, o objetivo era um corpo bonito e saudável, aliado a moda e o sucesso. A moda das academias fez com que o tênis, o moletom e a lycra, não fossem mais peças exclusivamente esportivas. Sendo popularizadas para ocasiões cotidianas, ganhando tons modernos e urbanos. O tênis ganhou milhares de "looks" alternativos, nas mais variadas formas e cores. Sendo assim, o calçado que se tornou febre da moda era o All-star, pelo seu estilo simples e confortável, mas com as mais variadas cores e estampas, considerado um tênis inovador, foi (e ainda é) um dos calçados mais famosos e usados pelos jovens.

A moda e a música

A música, além do cinema, foi um dos mais importantes meios de difusão da moda. Não havia apenas um estilo do momento, todas as tribos se estendiam com as mais diversas tendências: pops, darks, góticos, metaleiros e rastafaris, havia estilo diversificado para todos. Ao contrário do atual, o pop que fazia sucesso na época era o mais melancólico. Bandas como The Smiths, The cure e Joy Division, fizeram sucesso estrondoso, principalmente com a divulgação dos clipes, que associava rapidamente a imagem a música. Madonna, apesar de não fazer o estilo pop-melancólico, e sim extremamente alegre, influenciou a sociedade com seu estilo livre e despudorado, com cores vibrantes e cortes exóticos. No mesmo estilo, fizeram grande sucesso cantoras como Cindy Lauper e a brasileira Xuxa.

Maquiagem e acessórios
Acompanhando as roupas, tudo era muito colorido e extravagante. Na maquiagem, as mulheres usavam muito colorido, sombras fortes e batom com cores vivas, sempre na linha exótica e chamativa. Os acessórios não poderiam ficar de fora da moda futurista, o acrílico e o plástico entraram em alta, nas mais variadas cores, geralmente cintilantes. Por terem um aspecto do futuro e um baixo custo, pulseiras, brincos e colares deste material foram a grande sensação.

No decorrer da Moda...

2008-09-24T08:58:00.000-07:00

Moda é a tendência de consumo da atualidade. A moda é composta de diversos estilos que podem ter sido influenciados sob diversos aspectos. Acompanha o vestuário e o tempo, que se integra ao simples uso das roupas no dia-a-dia. É uma forma passageira e facilmente mutável de se comportar e sobretudo de se vestir ou pentear.
Para criar estilo, os figurinistas utilizaram-se de cinco elementos básicos: a cor, a silhueta, o caimento, a textura e a harmonia.
A moda é abordada como um fenômeno sociocultural que expressa os valores da sociedade - usos, hábitos e costumes - em um determinado momento. Já o estilismo e o design são elementos integrantes do conceito moda, cada qual com os seus papéis bem definidos.
A moda é um sistema que acompanha o vestuário e o tempo, que integra o simples uso das roupas no dia-a-dia a um contexto maior, político, social, sociológico. Pode-se ver a moda naquilo que se escolhe de manhã para vestir, no look de um punk, de um skatista e de um pop star, nas passarelas do mundo, nas revistas e até mesmo no fato que veste um político ou no vestido das avós.

Hístórico

Na antiguidade

Os seres humanos passaram a se cobrir com peles de animais para se proteger do clima e, com o tempo, essa proteção foi se tornando cada vez mais sinônimo de poder e status.
Na época bizantina dava-se valor, por exemplo, às roupas na cor roxa, pois essa cor era derivada de um pigmento muito raro que só a nobreza tinha condições de adquirir.
Já os mais pobres usavam roupas na cor azul, que era feita com uréia, encontrada em abundância, pois os tintureiros tomavam muitas bebidas alcoólicas, faziam a urina em baldes, e essa era utilizada para tingir as peças de tecido.

A moda na Idade Moderna

A idade moderna é a época que vai do século XV ao XVIII. Ao contrário do que muitos pensam idade moderna não é o tempo em que vivemos hoje, século XXI. Hoje vivemos no que os historiadores chamam de idade contemporânea.
A moda na idade moderna é marcada pelo uso do sapato de salto alto, perucas, rendas e frufrus. O Rei Luis XIV foi o grande lançador de modas acompanhado por Luis XV e Luis XVI. Daí o nome do salto Luis XV

A moda nos anos 1920

Nessa época, a moda já estava livre dos espartilhos do século XIX. As saias já mostram mais as pernas e o colo. Na maquiagem, a tendência era o batom. A boca era carmim, em forma de coração. A maquiagem era forte nos olhos, as sobrancelhas eram tiradas e o risco pintado a lápis. A tendência era ter a pele bem branca.

Moda de 1925

Foi a época de Hollywood em alta, e a maioria dos grandes estilistas da época, como Coco Chanel e Jean Patou, criaram roupas para grandes estrelas.
Foi uma década de prosperidade e liberdade, animada pelo som das jazz-bands e pelo charme das melindrosas, as mulheres modernas da época, que frequentavam os salões e traduziam em seu comportamento e modo de vestir o espírito da também chamada Era do Jazz.
A silhueta dos anos 20 era tubular, os vestidos eram mais curtos, leves e elegantes, com braços e costas à mostra. O tecido predominante era a seda. Os novos modelos facilitavam os movimentos frenéticos exigidos pelo charleston - dança vigorosa, com movimentos para os lados a partir dos joelhos. As meias eram em tons de bege, sugerindo pernas nuas. O chapéu, até então acessório obrigatório, ficou restrito ao uso diurno. O modelo mais popular era o "cloche", enterrado até os olhos, que só podia ser usado com os cabelos curtíssimos, a "la garçonne", como era chamado. A mulher sensual era aquela sem curvas, sem seios e com quadris pequenos. A atenção estava toda voltada aos tornozelos.
A sociedade dos anos 20, além da ópera ou do teatro, também freqüentava os cinematógrafos, que exibiam os filmes de Hollywood e seus astros, como Rodolfo Valentino e Douglas Fairbanks. As mulheres copiavam as roupas e os trejeitos das atrizes famosas, como Gloria Swanson e Mary Pickford. A cantora e dançarina Josephine Baker também provocava alvoroço em suas apresentações, sempre em trajes ousados.
Em 1927, Jacques Doucet (1853-1929), figurinista francês, subiu as saias ao ponto de mostrar as ligas rendadas das mulheres - um verdadeiro escândalo aos mais conservadores. Foi a época da estilista Coco Chanel, com seus cortes retos, capas, blazers, cardigãs, colares compridos, boinas e cabelos curtos. Durante toda a década Chanel lançou uma nova moda após a outra, sempre com muito sucesso.
Figurinistas da década de 1920
Jacques Doucet (1853-1929), um figurinista francês, em 1927, subiu as saias para mostrar as ligas rendadas.
Coco Chanel criou a moda dos cortes retos, capas, blazers, cardigãs, colares compridos, boinas e cabelos curtos.
Jean Patou, estilista francês teve o foco na criação de roupas esportivas. Inclusive para a tenista Suzanne Lenglen. Também revolucionou a moda da praia com seus maiôs.

Hippies

Décadas de 60 e 70

As roupas nas décadas de 60 e 70, época dos hippies, transmitiam a paz e amor, lemas da época, por cores alegres e estampas floridas, demonstrando sensibilidade, romantismo, descontração e bom humor, como também a liberdade de expressão perante o regime ditatorial em países como o Brasil, Chile e França.
A maquiagem era essencial e feita especialmente para o público jovem. O foco estava nos olhos, sempre muito marcados. Os batons eram clarinhos ou mesmo brancos e os produtos preferidos deviam ser práticos e fáceis de usar. Nessa área, Mary Quant inovou ao criar novos modelos de embalagens, com caixas e estojos pretos, que vinham com lápis, pó, batom e pincel. As perucas também estavam na moda e nunca venderam tanto. Mais baratas e em diversas tonalidades e modelos, elas eram produzidas com uma nova fibra sintética, o kanekalon.

Ver também
São Paulo Fashion Week
Carlos Tufvesson
Gisele Bündchen

Ligações externas
Site dos Cursos de Moda da Universidade Veiga de Almeida
SENAI/CETIQT
Moda
Moda - Almanaque da Folha{{Correlatos
Centro de Moda - Lojas de moda, designers online, grandes promoções pequenos preços
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Shopgrifting
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v • d • e • h História da moda

Medieval
Bizantina · Século XII · Século XIII · Século XIV

Renascença e Reformas
Século XV · 1500-1550 · 1550-1600 · 1600-1650 · 1650-1700

Iluminismo
1700-1750 · 1750-1795 · 1795-1820
Vitoriana
1820 · 1830 · 1840 · 1850 · 1860 · 1870 · 1880 · 1890

Eduardiana
1900 · 1910

Moderna
1920 · 1930-1945

Pós-Guerra e Guerra Fria
1945-1960 · 1960 · 1970 · 1980

Contemporânea
1990 · 2000

http://blog.uncovering.org/archives/2008/04/as_primeiras_capas.html

http://almanaque.folha.uol.com.br/moda_index.htm

HOMENS MORREM MAIS CEDO...

2008-09-24T08:50:00.001-07:00

AINDA SEM UMA RESPOSTA CONCRETA SOBRE O ASSUNTO ?

★ A day of the Work...★

2008-09-23T12:38:00.000-07:00

hoje foi mais um dia corrido de trabalho...

UM DIA TEDIANTE...

O MEU ANIVERSÁRIO...

A night in the Music Box...

2008-09-22T17:55:00.000-07:00

Grandes amigos meus...foi sim uma pequena grande comemoração adiantadissima do meu pseudo anivérsário 3 dias antecipado!!!! Bem...foi da hora a compania dos meus dois grandes amigos, Mih e Neto Pessoa...

Fim de festa...

Guritarra aéria baby!!!!

kjçlgweçufghefjdghJDGçsghçfdskjghfçkgfslghjsgçksjhsgç...

PERFECT!!!

2008-09-19T19:35:00.000-07:00

The British have given us much, from tea and crumpets, to Winston Churchill, to advanced naval technology, but their most conspicuous gratuity has been their pop music. Consistently, British music dominates pop music from other countries without ever seeming like they’re trying. Whether it comes to pure song craft, sonic innovation, or showmanship, the British always seem to know exactly about the modes of pop music. It’s not our intention to start a war of nations over who has the best music, and this is why our article is not a “Top 10 Music Countries”. Regardless of the caution in these preliminary remarks though, we do expect a certain amount of criticism from the most obvious omission. We asked ourselves what British music we listen to and enjoy the most and this became our list. If we were to base our list on more popular guidelines this omission would not be made, but as this article is focused on what we listen to the most, we could only answer honestly by what we listen to day to day. Here then are Old-Wizard’s top ten British bands of all time.

10. The Stone Roses

The Stone Roses first album was so good that they had to be included in the “Top 10 British Bands of All Time” list, regardless of their work before or after. The Stone Roses debut album sounds as good today as it did when it was released in the cusp of the new decade of the 90’s. John Squire’s guitar playing is still it’s own sound taking the best of the 60’s, 70’s and even calypso guitar sound and meshing it into a wash of color and dint. Reni’s drum playing on the record is still some of the most sophisticated shuffles one can hear on a modern CD. Add to this Mani’s funk bass playing and Ian Brown’s utter conviction in vocal delivery and the listener was given one the best gifts in pop music. Song’s like “Elephant Stone” and “I Wanna be Adored” became staples for the music listener who was interested in hearing great musicianship combined with confident songwriting. Songs like “Bye Bye Badman” and “She Bang’s the Drums” persuaded the listener that the timeless quality in what they were hearing would not be heard again for a long time to come. Beyond their debut album was “Second Coming” which was a great album in it’s own right embodying quality songwriting in “Ten Story Love Song” and “Tears”, while still being in tune to their groove in “Begging You”. After “Second Coming”, The Stone Roses abandoned to pursue their own solo careers which were all successful and fine sounding, but when one listened back to their debut album, one is filled with forlornness as what once was and will probably never be again. It’s with this in mind that The Stone Roses are owed their proper place in pop music history, sheerly on the power of their first album.

9. The Kinks

The Kinks marked the first time in British music where jejune modern life became one of it’s themes. The Kinks consistent caricatures of modern life in London would go on to influence hundreds of bands who wanted to write something besides love songs. After their initial success of “You really got me” and “All day and all of the night”, they went on to create some of the most sophisticated music for the time. It was in the late 60’s that they hit their stride with a string of memorable singles such as “Waterloo Sunset” which embodied the apathetic easiness better than any song before. In 1968 when they released “The Kinks are the Village Green Preservation Society”, they had finally been given the high rank in British pop that they deserved. What was a 2 sided theme album, was full of valent songwriting full of catchy choruses and jumpy rhythms. Listen to “Starstruck” just once and you will have the chorus in your head for months. Nowhere was the apathetic London attitude more noticeable than on the title track for the album. Complete with candy-coated back up vocals and clever lyrics only known to Ray Davies at the time, “The Village Green Preservation Society” would go down as one of the greatest songs of all time. The Kinks output in the 70’s would tend on the side of larger concept albums that were too theatrical compared to the relative ease in which jocular social commentary came to the Kinks in the 60s. What The Kinks will be remembered for are songs like “Lola”, “Ape Man” and “Autumn Almanac” which were songs that never took themselves too seriously but always pierced the skin of larger social themes. It’s hard to think of a band more British than the Kinks, and it’s hard to think of a songwriter as acute on modern life than Ray Davies. It would be erroneous to not include them on a “Top Ten British Bands of All Time” list.

8. Suede

Suede formed in the early 90’s in London with a love for The Smiths and T-Rex. They took these influences though and made them into something bigger and more dramatic. Suede’s debut album was full of the type of subtle sadist references that would make affluent private schoolers blush. “Animal Nitrate” and “The Drowners” were full of the trampy riffs perfected in Marc Bolan’s mid 70’s work. The conspicuously androgynous Brett Anderson fantasized about the most tragic of romantic moments creating a more a realistic vision of modern romance. Their second album “Dog Man Star” saw them reach the height of pop music with it’s utter euphony in delivery. “We are The Pigs” is a call to arms for a nuclear night in flames. While everyone is inside fearing their impending doom, Brett Anderson and his crew of flash boys are dancing on the streets watching everything burn. Bernard Butlers guitar work on this album is superb filling chorus’s with lines as melodic as Brett Andersons obvious penchant for chorus deliveries. The amount of classic moments on Dog Man Star is staggering. Just listen to “The Wild Ones”, “New Generation” and “This Hollywood Life”, and one will understand the heights in which this band carried themselves. Their consistency after the epic Dog Man Star would continue with their 3rd album “Coming Up” which Brett Anderson appropriately claimed was an album to “do your hair to” before going out. That the entire album is full of singles is an understatement. Coming Up may be the most pop that guitar music had ever become. The themes in the album were obvious. Suede glorified youth culture, idleness, beautiful people, and the chemistry between lovers. When one listens to Suede, one is overcome with the feeling that they have to go out for the night, even if it’s by yourself to mimic Brett Anderson in the “Saturday Night” video watching forlorn lovers walking in the full moon lit street. Suede mastered this sense of aggrandized romance perfectly. There are few bands who identified youth as irresistibly as Suede.

7. The Zombies

At first, the Zombies created infectious melodic music like many of the bands of their day. They wore suits like them and wore their hair like them. Great songs amongst their catalogue included “Tell Her No” and “She’s Not There”, which both embodied the perfect summer quality of 60’s pop songwriting. It wasn’t until their last album though that they became memorialized as one of the greatest bands of all time. “Odyssey and Oracle” is one of the most magical albums ever put to vinyl. Rarely has pop music made a more mellifluous sounding masterpiece than Odyssey and Oracle, as many times these theme albums become cumbersome to listen to in their self-indulgent gestures. Odyssey and Oracle however was like listening to a theme album where all the songs were singles. Care for Cell 44 may be one of the most conspicuous signifiers of summertime in music for the listener lucky enough to come across this largess gem. “Brief Candles” delivered on a chorus so strong, one wondered how it could not have been released as a single. One realized afterwards though that “Time of The Season” was arguably the apex in pop songwriting. Never has their been a song in minor key that still recognized golden iridescence as well as “Time of The Season”. “Hung Up On a Dream” was vocal music played to perfection with backing vocals that floated into the highest of daydreams. The summer is Odyssey and Oracle. Little did The Zombies know how influential their last album would be. Disparaged by their lack of success, The Zombies broke up before being able to witness how successful this album would become. A magnum opus it was as this album is equally easy to listen to and full of subtlety in the lyrics and musicianship. With this album, The Zombies are a must for the “Best British Bands of All Time” list. That they were the only band to create a concept album that was always fun to listen to, and needed no “time of the day” to listen to, puts them in their superlative rank.

6. The Verve

The Verve were a force to be reckoned with in the 90’s. Their music has stood the test of time beyond most bands of their generation. Songs like “Sonnet” and “History” were imbued with the exact qualities needed to have longevity in an art form that prides itself on momentary pleasure. When it comes to pure rock songs, it’s hard to imagine a band that equals The Verve. When one watches The Verve from Wigan in 1997, one is amazed at the power of “Rolling People” when it crashes in unexpectedly. When one listens to “This is Music”, one is struck by the sheer conviction in Richard Ashcroft’s vocal delivery and the music itself overloaded with a wall-of-sound guitar palette accomplished perfectly with the help of Owen Morris’s exaggerated production techniques. Ashcroft’s existential motifs hit at the listener who searched for meaning in a sometimes meaningless world. “You go in on your own and you leave on your own, forget your lovers you’ve known and your friends on the road” was Ashcroft at his best in his honest attempts at cosmic understanding in this whimsical acoustic song called “On Your Own”. Nick McCabe would prove to be one of the greatest guitarists of his generation seemingly being influenced by Funkadelic, The Cocteau Twins, and T-Rex. His style has never been replicated, and never has the term “dream pop” been so perfectly exemplified than in some of McCabe’s work on The Verve’s first album “Storm in Heaven”. When you take the utter conviction of a singer like Richard Ashcroft and augment it with the broad strokes of sonic color in someone like Nick McCabe, you are bound to create greatness, which was seen in every piece of music the Verve ever released.

5. Oasis

British music in the 90’s was defined solely by Oasis. Everyone afterwards wrote songs with massive choruses and Marshall stacks turned to 10. The Oasis sound has tried to be replicated excessively by lesser bands. What was always missing from those bands though was the sheer quality of songwriting exhibited by Noel Gallagher, and the power of Liam Gallagher’s snarl, which often goes unnoticed. After Oasis, everyone wore their hair long and drank until the long hours of the night, or at least pretended to. Beyond Oasis’s influences though is the greatness of their simplicity. Armed with songs that were not afraid to repeat their choruses, and melodies that would float in your head even in this most dismal of moods, Oasis would go on to create a massive catalogue of memorable songs that were sung by the UK, music enthusiasts all over the globe, and a couple of Old-Wizards from America. The adrenaline rush that one gets while listening to “Columbia” is unmatched in any other song. The feel of timeless quality epitomized in “Live Forever” is unmatched by most bands before or after. Add to this the fact that Oasis are still able to create these feelings for the music listener even today with their latest album “Don’t Believe The Truth” which is filled with the same types of quality in their previous work. “Turn up the sun”, and “Love like a bomb” are perfect examples. Oasis has often been criticized for not changing their style enough, but when their style sounds as good as their’s, there’s no reason to change for the sake of some ideal that would make them less than what they are, which is pure quality in simplicity.

4. Pink Floyd

Pink Floyd took pop music to a place it had never been with the Barret / Waters symbiosis. Floyd’s first album “Piper at The Gates of Dawn” was a record never like any other before or after. This acid tripped pop album was catchy, loud, and filled with outer space mania. After the all to well known demise of Syd Barret, Pink Floyd would continue their success with a slew of amazing albums. “Meddle” would go down in it’s own right as one of the best compositions in pop music history seeing its success in the grace of “Pillows of Wind” and the timeless stretch of “Echo’s” which is quite possibly the greatest pop song over ten minutes in length. “Atom Heart Mother” and “Animals” were more great albums that go often unnoticed in the Pink Floyd discography. This is disingenuous as songs like “Summer 68″ and “Dog’s” are perfectly executed songwriting guided by a sense of disattachment from the concerns of the times, and this is what made Pink Floyd so great. Their sense of vastness and timelessness was unmatched by any other band before or after. Their most successful album “Dark Side of the Moon” embodied all the qualities of their previous albums and effloresced their sonic palette into the mainstream with this epic tale of a philosophical journey. One need only put on “Us and Them” to understand the level that Pink Floyd was making music during this “mid period”. After “Animals”, Pink Floyd like most bands would fall into making less quality albums, even though still having explicitly popularity with these albums. What Pink Floyd will be remembered for though was their unexpected protrusion into the pop market with “Piper’s at the Gate’s of Dawn” and their subsequent albums up to “Animals” that existed in open space floating with a sense of paradox between pure energy and pure disattachment.

3. T-Rex

In the 1970’s when flower power’s sun was setting, new music in Britain popped it’s head from the flowers already planted, and colored them with the radiance and mellifluence that 60’s music sometimes ignored. This movement more concerned with stomp and stars, rather than relaxation and panacea was called “Glam Rock”. While this genre is often stated with negative connotations in ones mind, it must always be remembered how quality the music was from the fathers of this genre. Nowhere is this seen more clearly than Marc Bolan and T-Rex who slid, swept, and careened the music listener into star gazing and colorful clothes wearing. T-Rex who could both whomp the listener with big riffs and tame them with soft acoustic strumming, showed the diversity of it’s main member Marc Bolan, who was part dragon, part dandy, and all cosmic dancer. “Get it On” would prove to be one of the most catchiest rock songs ever released. “Life’s a Gas” would prove to be one of the most tender moments for any pop song ever released. His innumerous albums all focused on perfect songwriting influenced by the most heavenly and transcendent of themes. Even in Bolan’s “fat period” which often is criticized for lacking the quality of his previous work, there’s a heavy dose of strong songwriting and contagious riffs to carry the listener beyond the first ten listens of the album. Bolan’s portended death would only add to his already established legacy as the one and only “dandy of the underworld”. His work is consistently reissued with interviews and different takes of his best songs. His reemergence within modern music is owed to the fact that his and T-Rex’s songs are still fresh and pleasing to listen to today. T-Rex is the slide in one’s step and the stars in ones brows.

2. The Rolling Stones

When The Rolling Stones first came out, they were understood to be the bad boy Beatles. While this connotation held some validity, it would prove to be utterly limited in the understanding of who The Rolling Stones were. The Stones early work certainly epitomized an antithetical theme to the fawning attitude towards The Beatles at that time, but what The Stones were, was much more than an antithesis. They were the groove itself as pop music’s best claim to its sometimes grasped greatness. When one hears a song like “Under my Thumb”, one can’t help but be instilled with a surreptitious feeling of dance. This song’s slinkier vocal delivery combined with its even more slinkier lyrical theme created one of the greatest instinctual pop moments in pop music’s history. Beyond the 60’s though, The Rolling Stones became one of the greatest bands of all time in the 70’s. It’s in the 70’s that they hit their stride devoid of Brian Jones’s self-annihilative personality. The songs that can be listed in their repertoire from this age are stunning. “Can’t you hear me knocking” has more vocal sass than all blues singers before him. “Bitch” had one of the most grooving riffs and backing beats for any rock song in search of those salient qualities. “Give me Shelter” may have been Rock n Roll’s finest moment striking a sense of urgency not grasped by bands today. “Sticky Fingers” and “Exile on Mainstreet” would go on to define the rock music of the 70’s that was raw, loosely executed, and inordinate in hip shaking rhythms. McJagger and Keith Richards are still undoubtedly the best rock songwriting team in rocks 60 year history. That their output in the 80’s and 90’s would diminish in quality takes away little from the fact that they created their work in the 60’s and 70’s. One need only go back to listen to “Street Fighting Man” to understand the power of this band who could venerate the most somber of moods. When one want wants to listen to Rock n Roll, there is no place more obvious than The Rolling Stones. No band before or after has defined this genre as well.

1. The Smiths

What makes The Smiths so great is not the easiest thing to describe to a potential neophyte. The first time one hears The Smiths, one says to himself “Why am I listening to this yodeler yodel behind cheesy 80’s music”. On close inspection though, one is inundated by the greatest lyricist of all time in the one and only Steven Morrissey, and some of the most perfect guitar playing of all time from Johnny Marr. What these two created was some of the most unique sounding pop music in history. “This Charming Man” and “The Boy With The Thorn in His Side” are the most conspicuous examples of the what perfect pop music is. Move beyond these gems and one is swayed by the glam rock stomp of “Sheila Take a Bow”, and the jocular “Some Girls are Bigger than Others”. Morrissey who was and still is the least politically correct lyrist of all time, writes on a level way beyond any songwriter today. His careful and penetrating insights into the banality of modern culture was never done with the acrimony of a modern artists understanding of authenticity, instead, Morrissey coquettishly giggled at what he saw as his age’s herd animalization. The Smiths who were once deemed as music for the “bed-sit generation” related to the music listener who was bored out of his mind in the world they lived in. One only needs to look at the middle 8 lyric from “Shoplifters of the World Unite and Take Over” to see the authority in which Morrissey spoke in this theme. “A heartless hand on my shoulder, a push and its over, alabaster crashes down, six months is a long time, tried living in the real world, instead of a shell, but before I began, I was bored before I even began”. This lyric is just one instance among many of Morrissey’s gifts, highlighting the unwanted expectations inculcated to teenagers in their youth. All this occurred within the musical landscape of Johnny Marr’s chiming guitar which was as much island sounding as it was rock sounding. The perfect compositions that Johnny Marr would create would be offset by Morrisey’s lugubrious albeit amusing lyrics and vocal delivery. This paradox of sound and voice created the most unique and pleasurable listening experience for British music’s glorious history. This paradox will probably never be exemplified as perfectly as The Smiths. They are the kings of British pop music because of it.

DESIGNER FUTURISTA

2008-09-16T16:19:00.000-07:00

Daniel Simon chegou a pensar em ser fotógrafo profissional, mas a paixão pelo design falou mais alto e acabou fazendo com que ele desistisse do sonho. Sorte dos fãs de carrões e de ficção científica! Sua carreira seguiu o rumo da indústria automobilística e ele ajudou a criar designs inovadores para Seat, VW, Lamborghinni e Bugatti. Seu talento porém, vai muito mais longe e com criatividade de sobra, lançou em Dezembro passado o livro "Cosmic Motors", um apanhado de ficção científica cujo nome é o da fabricante de fantásticos veículos em torno da qual gira a história. Localizada em uma distante galáxia chamada Galaxion, a empresa produz o que há de mais moderno em transporte, desde sua fundação, no ano local de 8966-B.

Criada pelos irmãos Redooa, a Cosmic Motors produz também máquinas impressionantes para competições. As pilotos, são curvilíneas mulheres com nomes como LaGata Donner e Roketa Fleetza. O livro tem 176 páginas com 200 esboços e 130 ilustrações. Cada capítulo mostra do croqui inicial de cada veículo até modelos 3D detalhadíssimos e com fotomontagens envolvendo ambientes e pessoas. São espaçonaves, carros de corrida, trens e até naves de guerra. Sexy Magrela, Camarudo, Tatooa, Railton, Tanri, Djado, Detonator e Icetrain são os nomes dos poderosos e impressionantes modelos da frota estelar que mesmo tendo saído da mente de Daniel, parecem perfeitamente reais.

Acelerador de partículas pode produzir buracos negros

2008-09-14T06:20:00.000-07:00

NOTICIA 1

O LHC é o maior acelerador de partículas já construído e entrará em operação em maio. Uma das coisas interessantes que ele deverá produzir são micro buracos negros. A foto que dá uma idéia do gigantismo do colisor.
LHC é a sigla para Large Hadron Collider ( Grande Colisor de Hádrons) e está localizado na fronteira entre Suíça e França. O acelerador é de propriedade do CERN.
Dimensão
O LHC é composto de um anel com 27Km de extensão (8,6Km de diâmetro) e está enterrado no solo a uma profundidade média de 100 metros. Ele irá acelerar prótons a velocidades próximas à da luz até colidirem e destas colisões espera-se chegar a respostas sobre a origem do universo. Fiquei impressionado pela foto acima que é apenas de um dos detectores do LHC, é algo realmente gigantesco e supera tudo o que já vi em filmes de Ficção Científica na sua grandiosidade e complexidade. Clique na foto para ver em alta resolução e se impressionar também.
O que se busca
A principal busca é pelo Bóson de Higgs, uma partícula que pelo modelo padrão da física deve ser a responsável pela massa de toda a matéria que existe no universo (e por conseguinte a gravidade). Esta partícula é tão importante que é chamada de Partícula de Deus. Micro buracos negros e monopólos magnéticos também estão entre o que se espera produzir por lá. Mais detalhes podem ser conseguidos clicando nos links fornecidos neste artigo e também nos endereços de referência abaixo, inclusive um modelo 3D para o Google Earth e um vídeo.

http://newserrado.com/2008/02/27/acelerador-de-particulas-pode-produzir-buracos-negros/

NOTICIA 2

Maior acelerador de partículas do mundo tem participação do Brasil

O LHC, instalado entre a França e a Suíça, será ligado nesta quarta (10).Físicos brasileiros participarão da análise de dados de dois detectores.

Técnica checa conexões no interior do túnel subterrâneo do LHC (Foto: Cern)
A ativação do LHC -- maior acelerador de partículas do mundo --, nesta quarta-feira (10), terá um sabor especial para o Brasil. O projeto multibilionário contou com a colaboração de cientistas brasileiros. Não existem componentes nacionais nos detectores que compõem o complexo gerido pelo Cern (Organização Européia para a Pesquisa Nuclear). "Em vez de produzir elementos para um detector lá, optamos por participar trabalhando com processamento, aqui", disse ao G1 Sérgio Novaes, físico da Unesp (Universidade Estadual Paulista) que coordena o grupo que trabalhará com os dados do acelerador de partículas europeu.

Entenda o que é e o que fará o LHC Dessa maneira, a participação brasileira se envolve bastante com a produção científica do LHC, mas também cria recursos de computação em solo nacional que poderão ser usados para outros fins. "Estamos dotando o estado de São Paulo de uma completa infra-estrutura de 'grid'", afirma Novaes, destacando o sistema de processamento paralelo que envolve a montagem de uma rede superpotente de computadores para lidar com os copiosos dados fornecidos pelos detectores do acelerador de partículas.

Dupla participação

A rede de processamento brasileira, denominada Sprace (Centro Regional de Análise de São Paulo), trabalhará principalmente com dados do experimento CMS -- trata-se de um detector de grande porte instalado no anel do LHC que é considerado de "uso geral". Cabe a ele colher dados sobre todas as partículas produzidas pela colisão de prótons, para que os cientistas possam então identificá-las. Existe também a possibilidade de que os brasileiros analisem dados coletados pelo detector Alice -- um experimento que tem por objetivo observar condições similares às que o universo tinha pouco tempo depois do Big Bang, a grande explosão que teria dado origem ao cosmos como o conhecemos. A principal motivação para a construção do LHC -- a um custo de, por baixo, 3 bilhões de euros, e há quem diga que está mais para 10 bilhões -- foi a busca pelo chamado bóson de Higgs. Trata-se de uma partícula prevista pelo chamado modelo padrão, teoria que descreve as relações entre todas as partículas que compõem a matéria e a energia no universo. Para Sérgio Novaes, entretanto, a expectativa maior será a de não encontrá-lo. "Eu espero que o novo surja, que o diferente surja, que a natureza se revele nesses novos experimentos, num nível de energia nunca atingido antes", diz. Caso o Higgs não apareça, será preciso descobrir de que outra forma as partículas do modelo padrão adquirem sua massa. E outro campo potencialmente interessante é o dos fenômenos que ainda não são nem marginalmente explicados pelo modelo padrão: a matéria escura e a energia escura. "Não, o modelo padrão não diz absolutamente nada sobre isso", afirma Novaes. "São descobertas muito novas, ainda precisam ser devidamente assimiladas. Mas, claro, podem surgir coisas novas no LHC que expliquem isso. Talvez seja possível matar dois coelhos de uma vez só."

http://g1.globo.com/Noticias/Ciencia/0,,MUL753790-5603,00-MAIOR+ACELERADOR+DE+PARTICULAS+DO+MUNDO+TEM+PARTICIPACAO+DO+BRASIL.html

NOTICIA 3

Adolescente se mata por medo de Big Bang do LHC

Educação é tudo! Ciência é tudo em segundo lugar! Eu falo que falta de informação científica pode prejudicar diretamente a vida das pessoas… Segundo a agência Reuters da América Latina, uma adolescente indiana se matou ontem traumatizada. Leu que o LHC irá recriar minúsculos buracos negros e que isso poderia significar o fim do mundo.
Chayya tinha 16 anos e morava no estado de Madhya Pradesh. Tomou um pesticida. Em seguida, foi levada a um hospital, mas faleceu rapidamente. Seu pai disse que ela ficou assustada com as previsões fatalistas de alguns telejornais do local. Na Índia, milhares de pessoas foram rezar em templos, enquanto outras saborearam seus pratos favoritos antes de “morrerem” devido ao Big Bang. Leia notícia em espanhol aqui.
Concomitantemente, o site alemão Deutsche Welle publica entrevista com o norte-americano Frank Wilczek, Prêmio Nobel da Física e professor no Massachusetts Institute of Technology (MIT). A entrevista inteira está aqui - não se preocupe, em português. Veja trechos interessantíssimos que selecionei:
“Os meios de comunicação confirmam que o senhor recebeu ameaças de morte em relação ao projeto LHC. Por que estas ameaças se dirigem especificamente ao senhor, e não a outros cientistas? ‘Não estou seguro de ser o único. Há temores distintos quanto aos desastres que o LHC poderia causar. (…) Assim, de alguma maneira me transformei num símbolo para alguns e considero uma pena que as primeiras perguntas da mídia se refiram precisamente a estas ameaças. O LHC é um projeto científico emocionante, e me envergonha um pouco toda esta celeuma.‘
Como explica o tom marcadamente emocional com que se tem recebido o projeto? ‘Em geral, o ser humano teme o desconhecido. (…) Também é certo que, desde o final da Segunda Guerra Mundial, a gente associa os cientistas com temas como a bomba atômica e a era nuclear. O que nós, físicos, fazemos é algo muito diferente, mas as pessoas fora do campo científico não diferenciam estes detalhes. Aqui não está em jogo a construção de nenhuma bomba. (…) Buracos negros pequenos e grandes são coisas basicamente distintas. Os que se poderiam produzir no LHC são muito menores do que um átomo, ainda menores do que um simples próton, e absorvem menos energia do que um grama de matéria. Ademais, são totalmente instáveis, vibram por um lapso muito mais curto do que um segundo. Nós os chamamos ‘buracos negros’, porém nada têm a ver com os que seriam capazes de absorver tudo ou produzir algum tipo de catástrofe.’”
E ontem eu ainda conversava com conhecidos - mesmo papo que já tive com uma física renomada… Se o LHC não confirmar o Bóson de Higgs - leia post anterior - os cientistas ficarão frustrados. Mas, tudo bem, terão que fazer mais pesquisas, outras e de nova direção. Se o “achado” se confirmar, ótimo, o dinheiro investido teve retorno imediato. Se, ao colidir as partículas não acontecer nada de espetacular - o que seria impossível - aí sim os cientistas irão querer se matar. Porém, sempre, forever and ever, um experimento dessa magnitude traz inovações tecnológicas e mais perguntas. Que, alguém, sempre tentará responder.

http://xisxis.wordpress.com/2008/09/11/adolescente-se-mata-por-medo-de-big-bang-do-lhc/

HARD ROCK CAFE

2008-09-13T04:01:00.000-07:00

O Hard Rock Cafe foi o primeiro e permanece como o mais famoso restaurante temático e centro de entretenimento do mundo. Com decoração nostálgica, inspirada no Rock'n Roll, e expondo peças autênticas de vários artistas famosos, o HRC serve o melhor da cozinha americana, além de vender produtos promocionais de sua marca aos simpatizantes do rock em mais de 50 grandes cidades ao redor do mundo.
Hoje o Hard Rock Cafe é uma das instituições mais prestigiadas do gênero, um nome que estabeleceu o padrão para restaurantes temáticos e centros de entretenimento ao redor do mundo, sendo um dos maiores, mais completos e mais bem sucedidos, com autêntica atmosfera do Rock'n Roll e uma experiência inesquecível para as pessoas que o visitam. Entre os brasileiros, a marca Hard Rock Cafe se tornou um mito.

O primeiro Hard Rock Cafe foi fundado em 1971 em Londres, na Inglaterra, por dois jovens americanos que decidiram proporcionar aos londrinos comida caseira americana a preços acessíveis, temperada com uma boa dose de rock'n roll, num lugar atraente e onde todos fossem tratados da mesma forma. O Hard Rock Cafe transformou-se em um fenômeno global e, trinta e seis anos mais tarde, está presente em Londres, Los Angeles, Las Vegas, São Francisco, Chicago, Nova York, Houston, Paris, Madri, Sydney, Melbourne, Tokyo, Hong Kong, Cingapura e inúmeras outras cidades. Desde então, o Hard Rock Cafe transformou-se num fenômeno global e uma das instituições do Rock'n Roll mais prestigiadas, tornando-se o pioneiro na criação de modismos tais como coleção e exposição de instrumentos e peças ligadas ao rock; procura por produtos com logotipo como se fosse uma forma de culto; apoio às grandes causas humanitárias e apresentação de boa comida, num ambiente extremamente receptivo; todos são bem-vindos ao Hard Rock Cafe! Atualmente o Hard Rock Cafe agita o mundo, estando presente nas mais diversas partes do mundo, com 125 operações, incluindo cidades como Londres (o primeiro), Los Angeles, Las Vegas, São Francisco, Chicago, Nova York, Houston, Paris, Madri, Sydney, Melbourne, Tokyo, Hong Kong, Cingapura e inúmeras outras importantes cidades. Ao longo destes anos, mais de 100 milhões de pessoas tiveram a oportunidade de viver excelentes momentos neste que se tornou um ícone do entretenimento universal. As filas para entrada no Hard Rock Cafe já se tornaram famosas, até mesmo em Londres, 35 anos após sua inauguração! O Hard Rock Cafe é sinônimo de boa comida, serviço agradável e uma atmosfera convidativa para todos. foi o primeiro e permanece como o mais famoso restaurante temático e centro de entretenimento do mundo. Com decoração nostálgica, inspirada no Rock'n Roll, e expondo peças autênticas de vários artistas famosos, o HRC serve o melhor da cozinha americana, além de vender produtos promocionais de sua marca aos simpatizantes do rock em mais de 50 grandes cidades ao redor do mundo.
Hoje o Hard Rock Cafe é uma das instituições mais prestigiadas do gênero, um nome que estabeleceu o padrão para restaurantes temáticos e centros de entretenimento ao redor do mundo, sendo um dos maiores, mais completos e mais bem sucedidos, com autêntica atmosfera do Rock'n Roll e uma experiência inesquecível para as pessoas que o visitam. Entre os brasileiros, a marca Hard Rock Cafe se tornou um mito.
O primeiro Hard Rock Cafe foi fundado em 1971 em Londres, na Inglaterra, por dois jovens americanos que decidiram proporcionar aos londrinos comida caseira americana a preços acessíveis, temperada com uma boa dose de rock'n roll, num lugar atraente e onde todos fossem tratados da mesma forma. O Hard Rock Cafe transformou-se em um fenômeno global e, trinta e seis anos mais tarde, está presente em Londres, Los Angeles, Las Vegas, São Francisco, Chicago, Nova York, Houston, Paris, Madri, Sydney, Melbourne, Tokyo, Hong Kong, Cingapura e inúmeras outras cidades. Desde então, o Hard Rock Cafe transformou-se num fenômeno global e uma das instituições do Rock'n Roll mais prestigiadas, tornando-se o pioneiro na criação de modismos tais como coleção e exposição de instrumentos e peças ligadas ao rock; procura por produtos com logotipo como se fosse uma forma de culto; apoio às grandes causas humanitárias e apresentação de boa comida, num ambiente extremamente receptivo; todos são bem-vindos ao Hard Rock Cafe! Atualmente o Hard Rock Cafe agita o mundo, estando presente nas mais diversas partes do mundo, com 125 operações, incluindo cidades como Londres (o primeiro), Los Angeles, Las Vegas, São Francisco, Chicago, Nova York, Houston, Paris, Madri, Sydney, Melbourne, Tokyo, Hong Kong, Cingapura e inúmeras outras importantes cidades. Ao longo destes anos, mais de 100 milhões de pessoas tiveram a oportunidade de viver excelentes momentos neste que se tornou um ícone do entretenimento universal. As filas para entrada no Hard Rock Cafe já se tornaram famosas, até mesmo em Londres, 35 anos após sua inauguração! O Hard Rock Cafe é sinônimo de boa comida, serviço agradável e uma atmosfera convidativa para todos.

http://www.hardrock.com/locations/cafes3/cafe.aspx?LocationID=91&MIBenumID=3

Standing on Old Park Lane since June 14th 1971, this is the one that started it all. The brainchild of Isaac Tigrett and Peter Morton, the cafe attracted customers from day one with first-rate but moderately priced casual American fare (available no-where else in London or the UK at the time), warm service and ubiquitous Rock 'n' Roll music and sensibility - Hard Rock Cafe London became an instant classic.Still housing the first ever piece of memorabilia donated to the Hard Rock Cafe, Eric Clapton's Lead II Fender, originally donated to reserve a space at the busy bar, the London Cafe is as charming and authentic now as it was 35 years ago. You'll find many of the original serving staff still work the floor here today too! The Cafe is also as famous as ever around town for attracting the best rock stars down for a burger and the occasional "jamming session"!Come see time fly and lose yourself in our extensive memorabilia collection - one of the most expensive in the world - enjoy some great live music in our Basement bar or just pull up a stool at the bar and enjoy the atmosphere. Hard Rock Cafe London truly ROCKS!

OUSADIA na PUBICIDADE...

2008-09-12T08:54:00.000-07:00

ABAIXO ANÚNCIO DO PERFOME
Tom Ford for men...
CARALHOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO...
EU QUERO UM DESSES!!!!!

Os melhores anúncios de 2007

2008-09-11T08:37:00.000-07:00

Abaixo três cartazes de excelentes fotografias dos melhores anúncios de 2007...

Fio de pesca Spiderwire...

Propaganda de preservativos com sabor de frutas ...

Anúncio às mangas Globus . O que mais inventarão?!?!?!

PUBLICIDADE

Na Publicidade de hoje em dia ganha muito com termos éticos, visando a atenção do target para a idéia ambiental, varias estratégias publicitárias visam a responsabilidade social, muitas vezes, você acaba até vendo mais a ideia de responsabilidade social do que o próprio produto por traz,é essa a grande importância de valores éticos a publicidade, pois toda boa publicidade é boa propaganda.

TECNOLOGIAS GERAM SUSTENTABILIDADE

Embora sejam muitos exemplos de sustentabilidade, são dificies encontrar , bons unânimes,
Um bom exemplo de experiência internacional de sustentabilidade urbana é a cidade de Barcelona. Edifícios com aproveitamento de energia solar e integração de sistemas de infra-estrutura e de patrimônio histórico são algumas das ações de destaque implementadas na cidade
A energia solar, garante uma vida urbana sustentável, mesmo sendo uam tecnologia meio cara nos tempos atuais, é a menos poluidora, e por esse motivo a cidade com tal tecnologia, usufrui de uma boa reputação, sem esquecer de seus resquícios históricos os quais glorificam mais tal cidade
Vancouver, no Canadá, é outra cidade que se destaca pelo alto nível de qualidade de vida, graças à preocupação com aspectos como infra-estrutura, condições habitacionais e sistema de transporte. A forte atuação das administrações públicas e o envolvimento da sociedade civil na implantação da Agenda 21 tornam cidades de países como Bélgica, França, Holanda, Suécia e Marrocos outros bons exemplos de sustentabilidade urbana. “Na maioria dos países europeus existe uma ação chamada ‘Poluidor Pagador’, na qual quem produz o lixo é responsável pelo seu destino final”, acrescenta Newton Marçal Santos.A ação ‘Poluidor Pagador’ é um projeto muito bem sucedido na Europa , parte do grande sucesso vem, do simples motivo, deque quem faz a poluição e temq pagar pelo prejuízo, prefere pagar por ações para não ter tal prejuízo, e assim a ação se tem um alto nível de bom desempenho ...

Sustentabilidade resultados
A idéia de sustentabilidade se baseia, em um desenvolvimento adequado a todos em uma sociedade, em termos sociais, culturais, ambientais, sem danificação de ninguém, seja outra cultura, outra sociedade, ou até mesmo a própria natureza
A empresa deve ter em mente o local aonde ela esta instalada, que ela esta rodeado por pessoas, que fazem dela o que ela é, de ver ter em mente suas atitudes, ações, sempre buscando por essa filosofia, a sustentabilidade para assim desfrutar de uma sociedade não só mais correta, mas com maiores benefícios...

Dilemas
O lucro X Planeta
Com certeza esse é o maior dilema, que provem das pessoas com maior poder, politicos, a escolha da conservação do meio ambiente, nunca foi algo barato, investimentos, para recursos mais modernos, nunca foi privilegio, vários fatores, contribuem para esse fator, muitos julgam que eles, é que tem o maior poder.
Poder X Pessoas
Pessoas com maior detenção de poder, tendem a ser o fator mais relevante, portanto, é culpa dos políticos;
Não, o único fator que os faz terem poder, não esta no monetário, mas na iniciativa, a iniciativa é o grande poder, e isso é que faz a diferença, jogar desculpas pra cima de outras pessoas, para não tomarmos a atitude por primeiro é algo simples de mais, busquemos a iniciativa, a ação certa, políticos são a menoria do mundo, mesmo que eles façam a lei, mesmo que eles tenham o poder administrativo, quem tem o potencial de poder, somos apenas nós, com paradigmas novos, poderíamos qualquer coisa, porem essa idéia não é fácil de conquistar...

A solução
Nunca disseram que fosse fácil superar o velho paradigma, muitos alegam desculpas, para a não iniciativa, não convêm ao individuo egoísta essa superação, mas contem ao conjunto sim, essa superação, só se mostrará efetiva, a partir da iniciativa, quando os olhos cegos, enxergaram, a realidade, e a cooperação para um mundo melhor
O novo paradigma, não é impossível, é apenas algo que há de estar na mente das pessoas, que se importam de fato, com elas e com todo o resto...

Desfile da Victoria Secret 2008

2008-09-10T08:55:00.000-07:00

É verdade, mais um desfile de moda da marca Victoria Secret. As mulheres mais belas do mundo voltaram a passear (este ano) pela passerelle, desde a Adriana Lima até à Gisele Bündchen.
Veja o espectáculo e tente contar quantos actores e actrizes de Hollywood estão sentados na primeira fila, a ver o espectáculo.

http://www.youtube.com/watch?v=zgfeuBHhERs

NEW ORDER

2008-09-09T08:32:00.000-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=w77T0AncLKo

New Order era uma banda pós-punk inglesa formada em Manchester no ano de 1980 pelos ex-integrantes dos Joy Division logo após o suicídio do vocalista Ian Curtis. O grupo encerrou atividades em 2007, com direito a desentendimentos através da imprensa e da mídia. É considerada por muitos um dos grupos pioneiros na união do rock com ritmos eletrônicos dançantes (principalmente a disco music sintetizada de Giorgio Moroder e o eletropop). Tanto por meio de sua música quanto através da sua própria casa noturna, a Haçienda, que inauguraram em 1982, foram um dos nomes da música popular que mais contribuíram para a difusão da música eletrônica, ao lado de bandas como os Depeche Mode e os Pet Shop Boys.
A sua última formação incluía Bernard Sumner (vocais, guitarra), Peter Hook (baixo), Stephen Morris (bateria) e Phil Cunningham (guitarra, sintetizadores). Em 2001, a tecladista/guitarrista Gillian Gilbert (entrou em 1980, casada com Stephen Morris) saiu da banda devido a problemas familiares.

História

Inicio e Movement
Formados no início da década de oitenta em Manchester (Inglaterra), os New Order eram constituídos inicialmente por três membros dos Joy Division, cuja carreira foi prematuramente interrompida com o suicídio do vocalista Ian Curtis, em maio de 1980. Os membros remanescentes dos Joy Division, Bernard Sumner (guitarra), Peter Hook (baixo) e Stephen Morris (bateria) decidiram continuar, apesar da tragédia, e optaram por mudar o nome para New Order, denominação que deveria passar a ideia de mudança e renascimento, mas que despertou suspeitas entre os jornalistas sobre as filiações políticas do grupo ("Nova Ordem" era o que Adolf Hitler pretendia impor à humanidade caso tivesse vencido a Segunda Guerra Mundial). Entretanto, mais tarde o livro "24 Hour Party People", de Tony Wilson, revelou que o nome era uma referência ao Khmer Vermelho e foi sugerido pelo empresário da banda na época, Rob Gretton, após ter assistido na TV um documentário sobre a revolução no Camboja. Especula-se também que a escolha do nome poderia ter sido uma homenagem aos Stooges, embrionário grupo proto-punk norte-americano, que foi uma grande influência no som da banda quando ainda se chamavam Joy Division. New Order foi o nome dado pelo guitarrista Ron Asheton ao seu novo conjunto depois que os Stooges foram desativados com a saída definitiva do vocalista Iggy Pop.
Em junho de 1980, Sumner, Hook e Morris fizeram a sua primeira gravação de estúdio acompanhados por Kevin Hewick. A faixa resultante desse trabalho, Haystack, foi editada na coletânea From Brussels With Love. A canção foi uma das primeiras a fazer parte do novo material que o trio vinha compondo logo após a morte de Ian Curtis. Uma segunda música, A Piece of Fate, também foi gravada com a participação de Hewick, mas este fonograma nunca viu a luz do dia. Kevin produziu esta faixa ao longo dos anos e ela foi lançada pelo cantor em 1993 com o nome No Miracle. No mês seguinte, a banda faria algumas gravações no famoso estúdio da banda Cabaret Voltaire, o Western Works, em Sheffield (UK). As famosas Western Works Demos continham uma música que vinha sendo trabalhada ainda com os Joy Division (Ceremony, que na demo aparece cantada por Stephen Morris) e, ainda, mais três faixas totalmente novas (Truth, Dreams Never End e Homage).
Após algumas apresentações ao vivo como trio, Gillian Gilbert foi integrada à banda para tocar teclados e guitarra, enquanto Bernard Sumner se consolidava no posto de vocalista, ocasionalmente divido com Peter Hook. Gillian fez sua primeira participação no grupo quando ainda se chamavam Joy Division: num concerto em Liverpool, por causa de um acidente em que Sumner feriu a mão, ela substituiu-o na guitarra.
O primeiro single dos New Order, lançado em 1981, continha duas músicas escritas ainda nos tempos dos Joy Division, mas que ainda não tinham sido terminadas por causa da morte de Curtis: "Ceremony" e "In a Lonely Place". Em setembro do mesmo ano, pela Factory Records, editora independente que os abrigava desde 1978, lançam o compacto "Procession", que antecedeu o lançamento de "Movement", o primeiro álbum, em novembro.

Power, Corruption and Lies; Low Life e Brotherhood
Os New Order foram os pioneiros na ligação da música electrónica ao Rock. Revolucionaram a que é hoje conhecida como Dance Music. Com o disco Power, Corruption and Lies, de 1983, eles mudaram de direcção musical, distanciando-se de vez da sombra de Ian Curtis e partindo para músicas mais dançantes, inspirados pelos Kraftwerk, Afrika Bambaata, Disco Music e Giorgio Moroder. A partir desse disco, a banda também adoptou uma postura mais abstracta nas letras, num oposto ao lirismo desesperado de Ian Curtis. Os singles desse ano foram Blue Monday e Confusion (uma música com uma batida hip-hop muito forte). No ano seguinte, mais dois grandes singles - Thieves Like Us e The Perfect Kiss.
Low Life, de 1985, traz alguns sucessos da banda como Perfect Kiss (clip esse que foi realizado por Jonathan Demme). Em 1986, foi lançada uma das músicas mais famosas do quarteto, Bizarre Love Triangle, no disco Brotherhood.

Blue Monday
Com 7 minutos e meio de duração, Blue Monday é o single de maior duração que já alcançou os tops britânicos. É conhecido como o single mais vendido da história musical, mas a Factory não era membro da Indústria Fonográfica Britânica e, sendo assim, não puderam receber um disco de ouro. Apesar disso, a Companhia dos "Tops" do Reino Unido estima que as vendas ultrapassaram um milhão de cópias no Reino Unido.
Blue Monday é considerada como uma das músicas mais importantes da cena eletrônica dos anos 80 por misturar o Synthpop com influências da cena de clubes de Nova York. O produtor Arthur Baker, da tal cena, colaborou no single seguinte, Confusion.

Substance e Technique
Em 1987 a banda lançou seu disco mais famoso, a coletânea Substance (no ano seguinte seria lançada uma coletanea do Joy Division com o mesmo nome). O disco contém todos os singles lançados até aquele momento. Músicas como Bizarre Love Triangle e Sub-Culture são as versões do single, diferentes das versões dos respectivos álbums. A banda entrou, naquela época, em uma nova fase, com um som mais pop e limpo com singles como True Faith e Touched By The Hand Of God.
O disco Technique, de 1989, é , para muitos, um retrato fiel do auge da acid house. O disco foi concebido na época em que a casa noturna Hacienda da gravadora do New Order, a Factory Records, estava sendo invadida pela Acid House. World In Motion, primeiro single do New Order a alcançar #1 nas paradas britânicas, foi feita para a Seleção Inglesa de Futebol sob o nome de NewEnglandOrder, e lançada em 1990 para a Copa do Mundo daquele ano, na mesma época em que Bernard Sumner formava a banda paralela Electronic com o guitarrista dos Smiths, Johnny Marr. Peter Hook também acabou formando um projeto paralelo chamado Revenge.

Republic e pausa
Republic foi lançado em 1993 após a saída do New Order de sua gravadora, a Factory Records, e mostra um New Order já um tanto desgastado. O single Regret foi um hit nos E.U.A.. Após esse disco, os integrantes pararam as atividades do New Order e cada um foi trabalhar em seus projetos paralelos: Bernard com o Electronic, Peter com o Revenge (ou Monaco) e os "outros dois", Steve e Gillian, formaram o Other Two.
Em 1994 a coletânea The Best Of New Order foi lançada com vários dos singles do Substance, mais algumas faixas mais recentes. Em 1998 a banda voltou à ativa e voltou a tocar músicas do Joy Division como "Transmission" e "Atmosphere".

Get Ready e Waiting For The Siren's Call
Em 2001 a banda lançou o disco Get Ready e o que se notou foi uma grande mudança na parte músical, mais focada na guitarra do que nos teclados, como mostra os singles Crystal e 60 MPH. Billy Corgan do Smashing Pumpkins participa da música Turn my way e também da turne do disco.
Em 2005 a banda lançou Waiting For The Siren's Call, um disco que repete a formula do seu antecessor. Singles como Krafty e Jetstream foram muito bem recebidos. A banda passou recentemente em tournê pelo Brasil e Peter Hook já afirmou que há músicas suficientes para um novo disco.

Fim da banda
Após boatos que circulavam havia algum tempo, Peter Hook finalmente falou sobre o assunto em seu blog no myspace e afirmou que a banda realmente havia chegado ao fim.

Fatos
Apesar do disco Movement possuir ainda um forte rescaldo do som depressivo e monolítico do Joy Division, o grupo começou a investir mais seriamente com a música eletrônica. Por conta dessa mudança de direcionamento musical, que aconteceu muito gradualmente, grande parte do público considera a morte de Ian Curtis como o marco que separa radicalmente os dois grupos, Joy Division e New Order. No entanto, é necessário fazer duas ressalvas. A primeira: algumas canções do Joy Division, como "She's Lost Control", "As You Said" e "Isolation" já introduziam experimentações eletrônicas, antecipando os caminhos que mais tarde seriam seguidos pelo New Order. A segunda: foi Ian Curtis quem introduziu Bernard, Peter e Stephen, ainda no Joy Division, ao rock eletrônico do Kraftwerk, ao Krautrock, à trilogia pop-eletrônica de David Bowie (os álbuns "Low", "Heroes" e "Lodger") e aos trabalhos de Brian Eno. Portanto, pode-se dizer que o New Order nasceu virtualmente no Joy Division.

[editar] Curiosidades
A banda The Killers tirou seu nome a partir da banda fictícia que aparece no clipede Crystal. O nome está escrito no bumbo.
O vocalista Bernard Summer tem um projeto paralelo juntamente com Johnny Marr, guitarrista dos Smiths, chamado Electronic, com a colaboração dos Pet Shop Boys em seu primeiro álbum, lançado em 1991. Karl Bartos, que integrou o Kraftwerk, participou do álbum Raise the Pressure em 1996. O baixista Peter Hook também tem seu projeto, no começo chamado de Revenge (uma "vingança" contra o projeto de Sumner) e depois de Monaco. Na década de 90, Stephen e Gillian formaram o The Other Two, ironizando o fato deles serem os "outros dois" do New Order.

[editar] Discografia
Movement (1981)
Power, Corruption and Lies (1983)
Low Life (1985)
Brotherhood (1986)
Substance (1987)
Technique (1989)
Republic (1993)
Get Ready (2001)
Waiting for the Siren's Call (2005)
Singles (2006)

PINK FLOYD

2008-09-07T18:41:00.000-07:00

Pink Floyd é uma banda de rock inglesa do Século XX famosa pelas suas composições de rock clássico harmónico, pelo seu estilo progressivo e pelos espectáculos ao vivo extremamente elaborados.
É um dos grupos mais influentes na história do rock, além de um dos mais bem sucedidos, tendo vendido aproximadamente 200 milhões de cópias de seus álbuns sendo o que mais vendeu discos de toda a historia. A produção The Dark Side of the Moon manteve-se no Top 100 Billboard de vendas durante mais de uma década e continua a ser um dos álbuns mais vendidos de todos os tempos.
Liderada pelo lendário cantor e compositor Syd Barrett, o grupo tinha um modesto sucesso na segunda metade da década de 1960 produzindo rock psicadélico. Mas o comportamento errático de Barrett forçou seus colegas de banda a afastá-lo e substituí-lo pelo guitarrista e cantor David Gilmour.
Com a saída de cena de Barrett, o baixista e vocalista Roger Waters gradualmente tornou-se o líder e principal compositor do Pink Floyd. Esta fase foi marcada pela produção de álbuns conceituais como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) e The Wall (1979) --- álbuns que obtiveram êxito mundial, foram aclamados pela crítica especializada e figuraram em listas dos mais vendidos e populares em vários países.
Mas após o álbum, The Final Cut, (1983), o grupo separou-se. Em 1985, Waters declarou que o Pink Floyd estava extinto, mas os demais membros (agora liderados por Gilmour, mais o tecladista Richard Wright e o baterista Nick Mason), após briga judicial, retomaram a banda com o nome oficial e seguiram gravando e se apresentando - com grande sucesso comercial - e, finalmente, fecharam um acordo com Waters.
Em 2 de julho de 2005 e pela primeira vez em 24 anos, a formação mais clássica do Pink Floyd voltou a tocar, para a sua maior platéia, no concerto Live 8, em Londres (Reino Unido).
Em entrevista concedida ao jornal italiano La Repubblica [1] no dia 3 de fevereiro de 2006, Gilmour indicava o fim do Pink Floyd, declarando que o célebre grupo não produzirá qualquer novo material, tampouco voltará a se reunir novamente. Ainda assim, a possibilidade de se fazer uma apresentação similar ao Live 8 não foi descartada tanto por Gilmour[2] ou Mason [3].
Índice
1 História
1.1 Era Syd Barrett (1964–1968)
1.1.1 Declínio de Barrett
1.2 Procurando novos caminhos: 1968-1970
1.3 Era do Estouro 1971-1975
1.4 Era Roger Waters 1976-1985
1.5 Era David Gilmour: 1987-1995
1.6 Trabalho Solo e Mais: 1995-Presente
1.7 Direções Futuras
2 Espectáculos ao vivo
2.1 Em Lisboa
2.2 No Brasil
3 Integrantes
3.1 Atualmente
3.2 Membros antigos
3.3 Músicos convidados
4 Discografia
4.1 Álbuns de originais
4.2 Álbuns ao vivo
4.3 Compilações
4.4 Bandas sonoras (Trilhas sonoras)
4.5 Material não editado
5 Videografia
5.1 Outros
6 Curiosidades
6.1 Bibliografia
6.2 Bandas com nomes inspirados nos Pink Floyd
7 Ver também
8 Notas
9 Ligações externas

História

Era Syd Barrett (1964–1968)
O Pink Floyd evoluiu de uma banda de rock formada em 1964 que teve vários nomes - Sigma 6, The Meggadeaths, Tea Set e The Abdabs, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs. Quando a banda se separou, alguns membros---os guitarristas Rado "Bob" Klose e Roger Waters, o baterista Nick Mason e o instrumentista de sopro, Rick Wright---formaram uma nova banda, chamada "Tea Set". Depois de um pequeno período com o vocalista Chris Dennis, o guitarrista e vocalista Syd Barrett se juntou a banda, com Waters mudando para o baixo.
Quando o Tea Set descobriu que outra banda tinha esse mesmo nome, Barrett deu a idéia de um nome alternativo, The Pink Floyd Sound, em homenagem aos músicos de blues Pink Anderson e Floyd Council. Por um tempo a banda oscilou entre os dois nomes, até se decidirem pelo segundo. O “Sound” foi deixado de lado rapidamente, mas o “The” continuou sendo usado regularmente até 1968. Os primeiros lançamentos no Reino Unido da banda, durante a era do Syd Barrett, vinham creditados como The Pink Floyd, assim como em seus dois primeiros singles nos EUA. Sabe-se que David Gilmour tenha se referido ao grupo como The Pink Floyd até 1984. Klose - que era bastante influenciado pelo jazz, saiu depois de ter gravado somente uma demo, deixando uma formação diferente com Barrett na guitarra e vocais principais, Waters no baixo e vocais de apoio, Mason na bateria e percussão, e Wright revezando nos teclados e vocais de apoio. Barrett logo começou a escrever suas próprias composições, influenciado pelo rock psicodélico Norte-americano e britânico (também pelo surf music), com extravagância e humor. O Pink Floyd se tornou favorito no movimento underground, tocando em casas como UFO club, the Marquee Club e The Roundhouse. No fim de 1966, a banda foi convidada para contribuir com músicas no documentário "Tonite Let's All Make Love in London", de Peter Whitehead. Eles foram filmados tocando duas faixas, ("Interstellar Overdrive" e "Nick's Boogie") em janeiro de 1967. Apesar que quase nenhuma dessas músicas participaram do filme, elas acabaram sendo lançadas como "London 1966/1967" em 2005.
Como a popularidade da banda ia crescendo, os membros formaram a Blackhill Enterprises em outubro de 1966, uma sociedade a seis, com seus agentes Peter Jenner e Andrew King, lançando os singles, "Arnold Layne", em março de 1967 e, "See Emily Play". em junho de 1967. "Arnold Layne" alcançou o número 20 das paradas britânicas, e "See Emily Play" alcançou número 6, o que garantiu à banda a primeira participação em cadeia nacional no programa de TV Top of the Pops em julho de 1967. Anteriomente, eles haviam aparecido tocando "Interstellar Overdrive" no UFO club, em um curto documentário, "It's So Far Out It's Straight Down". Isso foi ao ar em março de 1967, mas apenas transmitido à região de Granada do Reino Unido.
Lançado em agosto de 1967, o primeiro álbum da banda, The Piper at the Gates of Dawn, é atualmente considerado um ótimo exemplo da música psicodélica britânica, e foi bem recebido pelo críticos da época. Atualmente, é visto como o melhor primeiro álbum por muitos críticos. As faixas, predominantemente escritas por Barrett, mostram letras poéticas e uma mistura eclética de música, desde a faixa de vanguarda com livre-forma, "Interstellar Overdrive", até músicas "assobiavéis" como "The Scarecrow", inspirada nas Fenlands, uma região rural ao norte de Cambridge (cidade de Barrett, Waters e Gilmour). As letras eram inteiramentes surreais, às vezes fazendo referência ao folclore, como em "The Gnome". A música refletia novas técnologias de eletrônicos, com o uso constante de espaçamento no estéreo, edição de fita, efeitos de eco, e teclados. O álbum foi um hit no Reino Unido, onde alcançou a 6ª posição das paradas, mas não foi muito bem na América do Norte, alcançando a posição número 131 nas paradas dos EUA. Durante esse período, a banda excursinou com Jimi Hendrix, o que ajudou a aumentar sua popularidade.

Declínio de Barrett
Enquanto a banda se tornava mais popular, o stress da vida na estrada e o consumo relevante de drogas de Syd Barrett deteriorou sua saúde mental. O comportamento de Barrett foi se tornando cada vez mais imprevisível e estranho, fato atribuído ao constante uso de LSD. Conta-se que às vezes ele ficava encarando algum ponto, enquanto a banda tocava; durante algumas apresentações, ele somente tocaria um acorde o concerto inteiro, ou aleatoriamente desafinava sua guitarra.
Chegou um momento em que os outros membros da banda decidiram por simplesmente não levar mais Syd para os shows. O último show da banda com Barrett foi em 20 de janeiro de 1968, em Hastings Pier. O guitarrista David Gilmour - já conhecido de Barrett e Waters - se juntou à banda para ajudar Barrett com suas tarefas (apesar de Jeff Beck ter sido considerado). Inicialmente, esperava-se que Barrett fizesse composições enquanto Gilmour tocaria nos shows. Mas composições como "Have You Got It, Yet?", com progressões de acordes e melodias diferentes a cada take, fez com que o resto da banda desistisse dessa idéia. Uma vez que a saída de Barrett foi formalizada em abril de 1968, os produtores Jenner e King, decidiram continuar com ele, pondo fim à sociedade Blackhill Enterprises. Então a banda escolheu Steve O'Rourke como gerente que permaneceu com eles até sua morte em 2003.
Depois de gravar dois álbuns solos (The Madcap Laughs e Barrett) em 1970 (co-produzido por, e as vezes com participações de, Gilmour, Waters e Wright) com sucesso razoável, Barrett então foi para reclusão (idéia muitas vezes rebatida por sua família, que disse não ter sido exatamente assim). Novamente chamado pelo nome oficial, Roger Keith "Syd" Barrett, viveu uma vida pacata em sua cidade natal, Cambridge, até sua morte em 7 de Julho de 2006.

Procurando novos caminhos: 1968-1970
Esse foi um período de experimentações musicais da banda. Cada um dos integrantes do Pink Floyd - Gilmour, Waters e Wright - contribuía com músicas que tinham sua própria sonoridade e voz, o que resultava num material menos consistente e coeso que o da era Barrett, quando o som era mais trabalhado. Se anteriormente Barrett era a voz e o compositor principal, agora Gilmour, Waters e Wright dividem composições de letras e vozes principais. Geralmente, Waters escrevia músicas mais lentas, com melodias de Jazz, linhas de baixos complexas e dominantes, e letras simbólicas; Gilmour focava-se em jams de blues levadas pela guitarra; e Wright preferia melodias pesadas psicodélicas de teclado. Diferente de Waters, Gilmour e Wright preferiam faixas que tinham letras simples ou que fossem puramente instrumentais. Alguns números músicais mais experimentais da banda são desse período, como "A Sauceful of Secrets", contendo bastante barulhos, feedback (realimentação), percussões, osciladores, loops; e "Careful with That Axe, Eugene" (que foi chamada por vários outros nomes também), uma faixa levada por Waters, com baixo e um pesado improviso de teclado, culminando em uma bateria forte, e gritos de Waters.
Enquanto Barrett escreveu praticamente todo o primeiro álbum, nesse álbum ele participa das composições com "Jugband Blues". Barrett também tocou nas faixas "Remember A Day" (gravada durante as sessões do The Piper) e "Set The Controls For The Heart Of The Sun" (a única faixa que apresenta Barrett e Gilmour dividindo as guitarras). "A Saucerful of Secrets" foi lançado em junho de 1968, alcançando número 9 das paradas do Reino Unido e se tornando o único álbum do Pink Floyd que não apareceu nas paradas dos EUA. De algum jeito, apesar da saída de Barrett, o álbum ainda contém bastante da sonoridade psicodélica combinada com mais música experimental que seria amplamente mostrada em Ummagumma. A faixa principal, A Saucerful of Secrets, com doze minutos de duração, chegou ao estilo épico de duração que composições futuras chegariam. Se o álbum foi mal recebido pelos críticos da época, muitos críticos de hoje tendem a ser mais leves nas críticas dentro do contexto da carreira do Pink Floyd.
O Pink Floyd foi recrutado pelo diretor Barbet Schroeder para produzir uma trilha sonora para um filme seu, "More", que estreou em maio de 1969. A obra foi lançada como um álbum do Floyd em seu próprio direito, Music From the Filme More (também chamado simplesmente como "More"), alcançando o 9º lugar das paradas do Reino Unido e chegando ao 153º lugar das paradas dos EUA em 1969. Críticos tendem a achar o conjunto da música para o filme como remendada e desigual. A banda usaria isso e sessões de trilha sonoras futuras para produzir trabalhos que não se encaixavam na idéia do que deveria aparecer em um álbum do Pink Floyd; a maioria das faixas do "More" foram canções folk, acústicas. Duas dessas canções, "Green Is the Colour" e "Cymbaline", se tornaram comuns em repertórios da banda por um tempo e também parte do suite "The Man & The Journey", como pode ser ouvido em muitas gravações de bootlegs desse período. "Cymbaline" também foi a primeira canção do Pink Floyd a lidar com a atitude cínica de Waters contra a indústria fonográfica explicitamente. O resto do álbum consiste em músicas incidentais de vanguarda da trilha (algumas dessas também fizeram parte do concerto The Man/The Journey) e algumas faixas de rock mais pesadas jogadas no meio, como "The Nile Song".
O próximo álbum, o duplo Ummagumma, foi uma mistura de gravações ao vivo e experimentações de estúdio dos membros, em que cada um gravou metade do lado do vinil como um projeto solo (a noiva de Mason da época faz uma contribuição não-creditada como flautista). Apesar do álbum ter as gravações solo e ao vivo, era esperado originalmente que fosse uma mistura de vanguarda, de sons de instrumentos "achados". As conseqüentes dificuldades de gravação e falta de organização em grupo levou ao fechamento desse projeto. O título é uma gíria sexual de Cambridge e reflete a atitude da banda naquela época. A banda foi amplamente experimental no álbum de estúdio, que contém a composição puramente folk de Waters "Grantchester Meadows", uma peça de piano dissonante, "Sysyphus", uma composição com uma textura mais progressiva, "The Narrow Way", e um grande solo de percussão, "The Grand Vizier's Garden Party". "Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict" é uma canção de 5 minutos, composta inteiramente pela voz de Roger Waters tocada em diferentes velocidades, resultando em barulhos que lembram roedores e pássaros. Grande parte do álbum de estúdio já era tocado ao vivo no concerto conceitual "The Man & The Journey". O álbum ao vivo apresenta aclamadas performances de algumas das mais populares músicas da era psicodélica deles, fazendo com que o álbum fosse mais bem recebido pelos críticos do que os dois álbums anteriores. A obra foi o trabalho mais popular até essa época, alcançando 5º posição no Reino Unido e 74º lugar nos EUA.
Atom Heart Mother, de 1970, foi a primeira gravação da banda com uma orquestra, com colaboração do compositor de vanguarda Ron Geesin. Um lado do álbum consistia na faixa-título de quase 24 minutos de duração, uma longa suite de orquestração de rock. O segundo lado apresentava uma música de cada membro da banda, até então vocalistas ("If", a canção folk-rock de Roger Waters; a levada de blues "Fat Old Sun" de David Gilmour; e a nostálgica "Summer '68", de Rick Wright). Outra faixa longa, a "Alan's Psychedelic Breakfast" foi uma colagem de som, de um homem cozinhando e comendo um café-da-manhã e seus pensamentos, ligados com instrumentais. O uso de barulhos, efeitos sonoros incidentais e samplers de voz seria, no futuro, uma parte importante do som da banda. "Atom Heart Mother" possui uma das mais enigmáticas capas de álbuns até hoje, estampando a "Lullubelle III", foto retirada no interior inglês. Este foi também o primeiro álbum da banda com grande propaganda. Apesar de "Atom Heart Mother" ter sido considerado um grande passo para trás pela banda na época, é até hoje considerado pelos fãs como um dos mais inacessíveis álbuns. Ele teve a melhor performance da banda nas paradas até então, alcançando o 1º lugar no Reino Unido e o 55º, nos EUA. Tem sido descrito tanto como "um monte de besteira" por Gilmour, quanto "jogue-o na gaveta e nunca mais o ouça" por Waters. O álbum foi um componente desta fase transitória do grupo, explorando diferentes territórios musicais. A popularidade do álbum permitiu que o Pink Floyd embarcasse em sua primeira turnê completa pelos EUA.
Antes do lançamento do seu próximo álbum original, a banda lançou uma coletânea chamada "Relics", que continha vários singles do começo da carreira e B-sides, além de uma canção original (estilo Jazz por Waters, "Biding My Time", parte do concerto "The Man/The Journey", gravada durante as sessões do 'Ummagumma). Eles também contribuiram para a trilha sonora do filme "Zabriskie Point", apesar de muitas contribuições deles terem sido descartadas pelo diretor Michelangelo Antonioni.

Era do Estouro 1971-1975
Durante esse período, o Pink Floyd se distanciou da cena psicodélica e se tornou uma banda distinta, até dificil de se classificar. Os estilos divergentes dos principais compositores - Gilmour, Waters e Wright - se amalgamaram em uma sonoridade única. Essa era contém o que muitos consideram serem dois álbuns obras-primas da carreira da banda, The Dark Side of the Moon e Wish You Were Here. O som se tornou mais trabalhado e com colaboração de todos, inclundo letras filosóficas e linhas de baixos mais aparentes de Waters, estilo único de guitarra de blues de Gilmour e assustadoras melodias de teclados e texturas harmônicas de Wright. Gilmour foi o vocalista dominante desse período e contribuições de corais femininos e o saxofone de Dick Parry, se tornaram parte do estilo da banda.
O som destonal e duro do começo da carreira da banda abriu caminho para um som bastante suave e calmo, que chegou ao máximo com "Echoes". Esse período marcou o fim da era verdadeiramente colaborativa da banda; depois de 1973, a influência de Waters se tornou cada vez mais dominante musicalmente e nas letras. A última composição creditada por Wright e última participação como vocal principal num álbum de estúdio até Division Bell, de 1994, é desse período ("Shine On You Crazy Diamond" e "Time" respectivamente). Os créditos de letra de Gilmour também diminuiram gradualmente em frequência até a saída de Waters da banda em 1985, embora ele tenha continuado a fazer a voz principal e escrever canções durante o período. Os últimos laços com Barrett estão presentes em Wish You Were Here, cuja canção principal, "Shine On You Crazy Diamond", foi escrita como tributo e elogio à Barrett.
A sonoridade da banda foi consideradamente mais focalizada em Meddle (1971), com a canção épica de 23 minutos, "Echoes", tomando todo o lado B do álbum. "Echoes" é uma leve canção de rock progressivo com longos solos de guitarra e teclado, e uma longa seção intermediária consistindo praticamente só de música sintetizada produzida por guitarras, órgãos e sintetizadores, complementada por um pedal wah wah de guitarra ao contrário. Conseguiu-se, dessa forma, algo que soava como samplers de albatrozes, descrito por Waters como um "poema sônico". Meddle foi considerado por Nick Mason como "o primeiro álbum real do Pink Floyd. Ele introduziu a idéia de um tema a que o álbum pode ser voltado." O álbum teve som e estilo bem sucedidos na época em que foi lançado, mas não teve a presença da orquestra que foi notável em Atom Heart Mother. Meddle também inclui a atmosférica "One of These Days", uma canção muito utilizada em concertos, apresentando uma única linha de voz de Nick Mason ("One of these days, I'm going to cut you into little pieces"), slide guitar distorcida e com estilo de blues, e uma melodia que, em certo ponto, se esvai em um pulso sintético, citando o tema de um clássico programa de TV, Doctor Who. O sentimento melancólico dos próximos três álbuns está bastante presente em "Fearless". Essa faixa mostra influência de folk e contém uma substancial slide guitar em "A Pillow of Winds". "A Pillow of Winds" é uma das únicas canções acústicas do Floyd que lidam com amor. O papel de Waters como escritor começa a tomar forma com sua "San Tropez" em estilo de jazz, que ele trouxe praticamente completa para a banda. Meddle foi recebido entusiasticamente por críticos e fãs e alcançou 3º lugar no Reino Unido. Nos EUA não passou do 70º lugar. De acordo com Nick Mason, isso foi em parte porque a Capitol Records não promoveu o álbum com publicidade suficiente. Hoje, Meddle resiste como um dos mais aclamados trabalhos da banda.
Obscured By Clouds foi lançado em 1972 como trilha sonora para o filme La Valle, outro filme independente de Barbet Schroeder. Foi o primeiro álbum da banda a chegar ao Top 50 nos EUA (onde alcançou 46º lugar) e chegou ao 6º lugar no Reino Unido. Embora Mason tenha descrito o álbum anos depois como "sensacional", ele foi pouco aclamado pelos críticos. As letras de "Free Four", a primeira música do Pink Floyd a tocar razoavelmente nas rádios dos EUA, introduziram os pensamentos da morte do pai de Waters na Segunda Guerra Mundial, o que se repetiria nos álbuns seguintes. Outras duas canções do álbum, "Wot's... Uh The Deal" e "Childhood's End", também lidaram com temas que voltaram a ser usados em álbuns futuros (solidão e desespero), que se tornariam mais comuns na era liderada por Roger Waters; e temas que também seriam trabalhados bastante no próximo álbum, como fixação na vida, morte, e a passagem do tempo. "Childhood's End", inspirada no livro do Arthur C. Clarke de mesmo nome, foi a última contribuição de letra de Gilmour por 15 anos. O álbum foi, de modo geral, diferente em estilo de Meddle, e as vezes até considerado como folk-rock, blues-rock e levada de piano soft-rock:"Burning Bridges", "The Gold It's in the..." and "Stay" sãoos melhores exemplos de cada estilo.
O lançamento com sucesso em massa de 1973, The Dark Side of the Moon, foi o ápice de popularidade da banda. O Pink Floyd havia parado de lançar singles depois de "Point Me at the Sky" em 1968, e nunca havia sido uma banda levada pelos singles hits, mas Dark Side of the Moon teve um single no Top 20 dos EUA com "Money".
O álbum foi o primeiro a chegar ao 1º lugar das paradas dos EUA , e até Dezembro de 2006 havia acumulado 15 milhões de unidades vendidas no mercado americano, tornando-se um dos álbuns com melhor desempenho comercial da história dos EUA. No mundo todo, Dark Side superou 40 milhões de cópias vendidas. O álbum ficou no Top 200 da Billboard por 741 semanas (incluindo 591 semanas consecutivas, de 1976 até 1988), um feito sem precedentes que estabeleceu um record mundial. Ele também permaneceu 301 semanas nas paradas do Reino Unido e, apesar de não ter passado da 2ª posição lá, foi extremamente bem recebido pelos críticos.O saxofone forma uma parte importante do som do álbum, expondo a influência de Jazz da banda (especialmente a de Rick Wright) e cantoras de apoio, fazem uma parte principal em ajudar a diversificar a textura do álbum. Por exemplo, músicas como "Money" e "Time" são colocadas em ambos sons melancólicos de slide guitar (remanescente do Meddle) em "Breathe (Reprise)", e levada, pelo canto feminino "The Great Gig in the Sky" (com Clare Torry nos vocais principais), enquanto a minimalista em instrumentos "On the Run" é tocada praticamente inteira em um único sintetizador. Efeitos sonoros incidentais e partes de entrevistas são apresentadas ao longo das músicas, a maioria delas, gravadas em estúdio. As entrevistas de Waters começavam com perguntas como "Qual é sua cor favorita?" uma tentativa em deixar as pessoas mais confortáveis. Então ele perguntava "Quando foi a última vez que você foi violento? E você estava certo?" Outras perguntas também eram, "Você tem medo de morrer ?" As letras do álbum e tentativa de som em descrever as diferentes pressões que a vida no dia-a-dia atua no ser humano. Esse conceito (concebido por Waters em uma reunião da banda por perto da mesa da cozinha do Mason) provou ser poderoso com a banda, e juntos eles fizeram uma lista de temas, vários, os quais seriam re-utilizados em álbuns seguintes, como o uso de violência e a futilidade da guerra em "Us and Them", e temas como insanidade e neurose discutido em "Brain Damage". As complicadas e precisas formas de engenheiro no som do álbum, com Alan Parsons, ditaram novos parâmetros para fidelidade de som; o que virou um aspecto reconhecível da banda, e foi um forte forma no que diz a longa permanência nas paradas do álbum, enquanto audiófilos constantemente trocam suas cópias desgastadas.
Procurando capitalizar a sua recém chegada fama, a banda também lançou uma coletânea chamada A Nice Pair, o que foi uma junção dos dois primeiros álbuns, The Piper at the Gates of Dawn e A Saucerful of Secrets. E também foi durante esse período que o diretor Adrian Maben lançou o primeiro filme concerto do Pink Floyd, o Live at Pompeii. O corte original para os cinemas, apresentava a banda tocando em 1971 num anfiteatro em Pompéia com nenhum platéia presente, exceto pela equipe de filmagem e equipe da banda. Maben também gravou entrevistas e os bastidores da banda durante as sessões de gravações do Dark Side of the Moon nos estúdios Abbey Road; apesar da cronologia dos eventos indicar que as sessões de gravação podem ter acontecido depois da gravação, eles promoveram uma olhada no processo envolvido na produção do álbum. Essas filmagens foram incorporadas em futuros lançamentos de Live at Pompeii.
Depois do sucesso do Dark Side, a banda não estava certa sobre sua direção futura e estava preocupada em como conseguiriam superar a enorme popularidade daquele álbum. Em retorno ao experimentalismo, eles começaram a trabalhar em um projeto chamado Household Objects, que consistia em músicas tocadas literalmente em objetos caseiros. No entanto o planejamento do álbum foi logo deixado de lado, depois que a banda decidiu que seria mais fácil e melhor tocar músicas em instrumentos de verdade. Nenhuma gravação terminada dessas sessões existe, mas alguns efeitos gravados foram usados no próximo álbum.
Wish You Were Here, lançado em 1975, carrega um tema abstrato de abstência de qualquer humanidade dentro da indústria fonográfica e, mais importante, a abstência de Syd Barrett. Bem conhecido por sua faixa-título, o álbum inclui o grande instrumental de nove partes "Shine On You Crazy Diamond", um tributo para Barrett em que as letras lidam explicitamente com seu declínio. A maioria das influências musicais do passado da banda foram juntas - teclados atmosféricos, peças de guitarras de blues, solos de saxofone (por Dick Parry), fusão de Jazz com agressiva slide guitar - nas várias partes ligadas da suite, culminando numa marcha fúnebre, tocada por sintetizador, e terminando com uma citação musical do antigo single "See Emily Play" como final demonstração da liderança inicial de Barrett na banda. As demais faixas, "Welcome to the Machine" e "Have a Cigar", criticam duramente a indústria fonográfica e essa última foi cantada por cantor folk Roy Harper. Essa foi o primeiro álbum do Pink Floyd a chegar ao 1º lugar das paradas do Reino Unido e dos EUA, e os críticos, o aclamam, tão entusiasticamente quando Dark Side of the Moon.
Em uma história conhecida, um homem obeso, com cabeça e sombrancelhas inteiramente raspadas, andou pelo estúdio enquando a banda mixava "Shine On You Crazy Diamond". A banda não o reconheceu ele por um tempo, quando de repente um deles percebeu que ele era Syd Barrett. Quando perguntado como ele chegou àquele peso, ele respondeu "Eu tenho uma frigideira grande na cozinha e eu estive comendo bastante carne de porco". Em uma entrevista em 2001 no documentário da BBC "Syd Barrett: Crazy Diamond" (lançado posteriormente em DVD como "The Pink Floyd Story and Syd Barrett Story"), a história é contada por inteira. Rick Wright disse sobre a sessão, dizendo "Uma coisa que fica na minha mente, que eu nunca esquecerei; eu estava indo para as sessões de Shine On. Eu fui ao estúdio e eu vi esse cara sentado no fundo do estúdio, ele estava distante, do mesmo jeito que eu de você. E eu não o reconheci. Eu disse -quem é aquele cara atrás de você?- -"Aquele é o Syd". Eu não acreditei... ele havia raspado todo seu cabelo... digo, suas sombrancelhas, tudo... ele estava pulando para cima e para baixo escovendo seu dente, aquilo foi horrível. E ah, eu estava, quer dizer, Roger estava em prantos, eu acho que ele estava; nós estávamos em prantos. Aquilo foi realmente chocante... sete anos sem contato algum e de repente ele aparece enquanto estávamos fazendo aquela faixa. Eu não sei - coincidência, carma, destino, quem sabe? Mas aquilo foi, muito, muito poderoso". No mesmo documentário, Nick Mason disse: "Quando eu penso sobre isso, eu ainda posso ver seus olhos, mas... foi o resto que estava diferente". Na mesma entrevista Roger Waters disse: "Eu não tive idéia de quem ele foi por um bom tempo". David Gilmour contou: "Nenhum de nós reconheceu ele. Raspado... raspado careca e bem gordo". Na versão definitiva de 2006 do documentário, as entrevistas com os ex-parceiros de banda de Barrett estão inclusas sem edição, com bem mais detalhes dos sentimentos e ações deles, durante o trágico esgotamento e a saída de Barrett da banda.

Era Roger Waters 1976-1985
Durante essa era, Waters tomou cada vez mais e mais controle do trabalho do Pink Floyd. Waters demitiu Wright depois que o The Wall foi terminado, argumentando que Wright não estava contribuindo muito, em parte por causa do vicio de cocaína. Waters declarou que Gilmour e Mason apoiaram a decisão para demiti-lo, mas em 2000, Gilmour declarou que ele e Mason foram contra a demissão. Nick Mason disse que Wright foi demitido por causa da Columbia Records que ofereceu a Waters um substancial bônus, para finalizar o álbum a tempo para um lançamento em 1979. E desde que Wright recusou voltar mais cedo de suas férias de verão, Waters queria demití-lo. Wright foi demitido da banda, mas continuou para terminar o álbum e tocar na turnê como um músico pago. A maioria da música desse período é considerada secundariamente pelas letras, as quais Waters explora os sentimentos sobre a morte de seu pai na Segunda Guerra Mundial, e sua crescente atitude de cinismo, contra figuras políticas como Margaret Thatcher e Mary Whitehouse. A música cresceu mais orientada pela guitarra com teclados e saxofones, ambos os quais se tornaram, uma grande parte da textura do contexto da música, junto com efeitos sonoros obrigatórios. Uma orquestra completa (ainda maior do que a de metais em Atom Heart Mother) faz um papel significante em The Wall e especialmente The Final Cut. Por volta de Janeiro de 1977, e pelo lançamento do Animals (chegando ao 2º lugar no Reino Unido e 3º nos EUA), a música da banda, veio sob uma crescente crítica da atmosfera do punk rock, dizendo que eles eram muito pretensiosos, e perderam o caminho da simplicidade que era o rock and roll.
Animals, no entanto, considerado mais orientado pela guitarra, do que os álbuns anteriores, tanto pela influência do movimento punk rock e pelo fato de que o álbum foi gravado pelo novo (e por algum acaso, incompleto) estúdio Britannia Row. O álbum foi o primeiro a não ter uma composição feita por Wright. Animals de novo, contém músicas longas, ligadas por um tema, desta vez, tirado em parte do livro Animal Farm (O Triunfo dos Porcos em Portugal e A Revolução dos Bichos no Brasil) de George Orwell, em que usou "Pigs" (Porcos), "Sheeps" (Ovelhas) e "Dogs" (Cachorros) como metáforas dos membros da sociedade contemporânea. Apesar da relevante guitarra, sintetizadores ainda fazem uma importante parte em Animals, mas é carente do trabalho de saxofone e vocais femininos, utilizados nos últimos dois anteriores álbuns. O resultado no geral é um trabalho mais hard-rock, ligados por duas partes de uma peça acústica. Muitos críticos não receberam muito bem o álbum, considerando-o, tedioso e vazado; apesar de outros críticos falarem bem dele, praticamente por causa dessas razões. Para a capa do encarte, um porco inflável gigante foi considerado para voar entre as torres da Estação de Energia Battersea (Battersea Power Station). No entando o vento fez com o que fosse dificil de controlar o balão de porco, e no final foi necessário inserir a foto do porco na imagem. O porco foi criado pelo designer industrial e artista Theo Botschuijver. O porco no entanto se tornou um dos mais memoráveis símbolos do Pink Floyd, e porcos infláveis foram utilizados em concertos do Pink Floyd desde então.
A ópera rock de 1979, The Wall, concebida por Waters, lida com temas, como solidão, falha de comunicação, que foram expressos pela metáfora de um muro construído entre um artista de rock e sua audiência. O momento decisivel para o concebimento do The Wall foi durante um concerto em Montreal no Canadá, no qual Roger Waters cuspiu num membro da platéia enquanto este tentava subir para o palco - esse foi o ponto onde Waters sentiu a alienação entre a platéia e a banda. O álbum deu críticas renomadas ao Pink Floyd e seu único single que alcançou o topo das paradas "Another Brick in the Wall (Part 2)". The Wall também contém faixas que seriam comuns em concertos posteriormente, como "Comfortably Numb" e "Run Like Hell", que são duas das mais conhecidas canções do grupo.
O álbum foi co-produzido por Bob Ezrin, um amigo de Waters que dividem créditos em "The Trial". Ainda mais do que as sessões do Animals, Waters estava certo sobre sua influência artística e liderança sobre a banda, usando a boa situação financeira da banda a seu favor, o que trouxe conflito com os outros integrantes. A música se tornou distintivamente mais hard-rock, apesar que grandes orquestrações em algumas faixas, lembram um período passado, e têm-se algumas composições mais calmas além (como "Goodbye Blue Sky", "Nobody Home", e "Vera"). A influência de Wright foi completamente minimizada, e ele foi demitido da banda durante as gravações, somente retornando com um salário fixo, para tocar nos concertos. Ironicamente, Wright foi o único membro do Pink Floyd que ganhou algum dinheiro dos shows da turnê do The Wall, os quais passaram por várias cidades - incluindo Dortmund, Londres, Los Angeles, Nova Iorque - durante várias noites, e o resto teve que bancar o custo alto dos mais espetaculares concertos até então. No entanto, em 1989, depois do Muro de Berlin cair na Alemanha, Roger Waters concordou em tocar o The Wall Ao vivo, aonde ficava originalmente o Muro de Berlin.
Apesar de nunca ter chegado ao 1º lugar das paradas do Reino Unido (chegou ao 3º), The Wall ficou 15 semanas no topo das paradas dos EUA em 1980. Críticos o receberam bem, e ele foi chegou aos 23 álbuns de platina pela RIAA, pelas vendas de 11,5 milhões de cópias do álbum duplo somente nos EUA. O enorme sucesso comercial do The Wall fez do Pink Floyd os únicos artistas desde os Beatles a terem os álbuns mais vendidos de dois anos (1973 e 1980) em menos de uma década. Um filme com entítulado Pink Floyd : The Wall foi lançado em 1982, incorporando praticamente toda a música do álbum. O filme, escrito por Waters e dirigido por Alan Parker, estrelou o fundador do Boomtown Rats, Bob Geldof, o qual regravou a maioria dos vocais, e ainda apresenta animação pelo notável artista e cartunista britânico, Gerald Scarfe. Leonard Maltin, um crítico de cinema, se refere ao filme como "o maior video de rock do mundo, e certamente o mais depressivel", mas o filme arrecadou mais de 14 milhões nas bilheterias norte-americanas. Uma música que apareceu no filme "When the Tigers Broke Free", foi lançada como single. A música foi lançada depois na coletânea Echoes: The Best of Pink Floyd e no re-relançamento do The Final Cut. Também no filme, há a música "What Shall We Do Now?", que foi cortada do álbum original devido a duração do vinil. As únicas músicas do álbum que não foram usadas, foram "Hey You" e "The Show Must Go On". O álbum The Final Cut de 1983 foi dedicado ao pai de Waters, Eric Fletcher Waters. Ainda mais sombrio em sonoridade que o The Wall, esse álbum re-examinou vários temas anteriormente discutidos, mas se dirigindo à fatos da época, incluindo a raiva de Waters da participação da Inglaterra na Guerra das Malvinas, a culpa que ele colocou nos lideres políticos ("The Fletcher Memorial Home"). E conclui com uma visão cínica de uma possivel guerra nuclear ("Two Suns in the Sunset"). Michael Kamen e Andy Bown contribuiram com trabalho de piano, por causa da saída de Richard Wright (que não foi fomalmente anunciada antes do lançamento do álbum).
Apesar, de tecnicamente ser um álbum do Pink Floyd, na encarte do LP não aparece na escrito, somente atrás aparece: "The Final Cut - Um requiém para o sonho do pós-guerra por Roger Waters, tocado pelo Pink Floyd: Roger Waters, David GIlmour e Nick Mason". Roger Waters recebeu os créditos totais para o álbum, o que se tornou um protótipo, do som que ele fará em próximos álbuns em sua carrreira solo. Waters disse que ele ofereceu lançar o álbum como um álbum solo, mas o resto da banda rejeitou a idéia. No entando, no seu livro Inside Out, Nick Mason diz que isso nunca aconteceu. Gilmour declarou que pediu à Waters para segurar o lançamento do álbum, para que então pudesse escrever material suficiente para contribuir, mas esse pedido foi negado. O tom da música, é bastante similar com o do The Wall mas, também mais quieto, e suave, lembrando músicas como "Nobody Home" mais do que "Another Brick in the Wall (Part 2)" por exemplo. Ele também é mais repetitivo, com certos temas que aparecem repetidamente pelo álbum. Teve somente sucesso moderado com os fãs (atingindo 1º lugar no Reino Unido e 6º nos EUA), mas recebeu razoáveis alogios do críticos. O álbum teve um pequeno hit, "Not Now John", a única faixa hard-rock do álbum (e a única em particular em ter Gilmour cantando). As discussões entre Waters e Gilmour nesse ponto, eram tão ruins, que eles supostamente não eram visto gravando no mesmo estúdio simultaneamente. Gilmour disse que ele queria continuar a fazer rock de boa qualidade, e sentiu que Waters estava construindo sequências de peças de músicas, meramente como um veículo para suas letras críticas, sociais. Waters diz, que seus companheiros de banda, nunca entenderam completamente a importância dos comentários sociais que ele fazia. Pelo fim da gravação, o crédito de co-produção de Gilmour foi tirado do encarte do álbum (apesar de ele ter recebido os direitos autoriais). Não houve turnê para esse álbum, apesar que músicas do álbum foram apresentadas por Waters em suas futuras turnês solos.
Depois do Final Cut, a Capitol Records lançou a coletânea, Works, que fez com que a faixa de Waters de 1970, "Embryo" estivesse disponível pela primeira vez em um álbum do Pink Floyd. Os membros da banda, foram para seus caminhos separados, e gastaram tempo trabalhando em projetos indivíduais. Gilmour foi o primeiro a lançar seu álbum solo About Face em Março de 1984. Wright juntou forças com Dave Harris, para formar uma banda nova, Zee, a qual lançou o álbum experimental Identity um mês depois do projeto de Gilmour. Em Maio de 1984, Waters lançou The Pros and Cons of Hitch Hiking, um álbum conceitual que já havia sido proposto para a banda. Waters o havia escrito ao mesmo tempo que The Wall, e quando propôs ambos projetos para a banda, a banda decidiu-se por The Wall. Um ano depois dos projetos dos companheiros de banda, Mason lançou o álbum Profiles, em conjunto com Rick Fenn, o qual teve participações de Gilmour e o tecladista Danny Peyronel.

Era David Gilmour: 1987-1995
Quando Waters anunciou em Dezembro de 1985, que estava saindo do Pink Floyd, e descreveu a banda como "uma força criativa desgastada", mas em 1986, Gilmour e Mason começaram a gravar um novo álbum para o Pink Floyd. Ao mesmo tempo, Roger Waters estava trabalhando em seu outro álbum solo, chamada Radio K.A.O.S. (1987). Uma disputa legal foi inciada por Waters, reinvidicando que o nome "Pink Floyd" deveria ser colocado de lado, mas Gilmour e Mason seguraram sua convicção que eles tinham direitos legais para continuar com o "Pink Floyd". O processo acabou se acertando por um acordo fora dos tribunais. Depois de considerar e rejeitar muitos títulos, o novo álbum foi lançado como A Momentary Lapse of Reason (que alcançou 3º lugar no Reino Unido e 3º nos EUA). Sem Waters, que foi dominantemente o letrista da banda por uma década, a banda recebeu ajuda de escritores de fora. Como o Pink Floyd nunca havia feito isso antes (exceto pelas contribuições orquestrais com Geesin e Ezrin), essa atitude, recebeu muitas críticas. Ezrin, que renovou a sua amizade com Gilmour em 1983 (quando Ezrin co-produziu o álbum About Face), tanto co-produziu como foi um dos escritores, além de, Jon Carin que escreveu a música "Learning to Fly" e tocou bastante dos teclados do álbum. Wright também retornou, e inicialmente, foi colocado como um músico assalariado durante as finalizações das gravações, e se juntando oficialmente à banda em sua nova turnê.
Mais tarde, Gilmour admitiu que Mason e Wright tiveram pouca participação no álbum. Por causa das poucas contribuições de Mason e Wright, alguns críticos dizem que A Momentary Lapse of Reason deveria ser considerado como um trabalho solo de Gilmour, do mesmo jeito que The Final Cut seria um trabalho solo de Waters.
Um ano depois, a banda lançou o álbum Ao vivo, Delicate Sound of Thunder (1988), e mais tarde gravou instrumentais para um filme clássico de corrida, chamado La Carrera Panamericana, filmado no México e com Gilmour e Mason participando como motoristas participativos. Durante a corrida, Gilmour e o agente Steve O'Rourke (como seu guia) bateram. O'Rourke teve sua perna quebrada, mas Gilmour saiu somente com alguns arranhões. Os instrumentais são notáveis por incluirem o primeiro material do Pink Floyd co-escritos por Wright desde 1975, tanto como o único material co-escrito por Mason desde Dark Side of the Moon.
Em 1992, eles lançaram o box Shine On. O set de 9 cds incluiam, relançamentos dos álbuns de estúdio, A Saucerful of Secrets, Meddle, The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals, The Wall e A Momentary Lapse of Reason. Um disco bônus chamado The Early Singles também foi incluso. O encarte incluia caixa que permitia que os álbuns ficassem em pé juntos, formando a imagem da capa do Dark Side of the Moon. O texto circular de cada CD inclui praticamente palavras ilegíveis "The Big Bong Theory". Nesse ano também ocorreu o lançamento do álbum solo Amused to Death, de Waters. A próxima gravação da banda foi o The Division Bell de 1994, que contém muito mais trabalho em grupo do que o Momentary Lapse teve, com Wright reinstalado como um membro total do grupo. O álbum foi recebido mais favoravelmente pelos críticos e fãs, do que o Momentary Lapse foi, mas foi intensamente criticado como cansativo e foi sob fórmulas. Este foi o segundo álbum à chegar ao 1º lugar em ambas paradas do Reino Unido e dos EUA.
The Divison Bell foi outro álbum conceitual, de alguns jeitos representando a visão de Gilmour nos mesmos temas que Waters discutiu em The Wall. O título foi sugerido para Gilmour, pelo seu amigo Douglas Adams. Várias das letras, foram co-escritas pela namorada do Gilmour na época, Polly Samson, a qual ele casou-se logo depois do lançamento do álbum. Apesar de Samson, o álbum conteve a maioria dos músicos que participaram da turnê do Momentary Lapse, quando o saxofonista Dick Parry, um dos que contribuiram aos álbuns da banda nos anos 70. Anthony Moore, que co-escreveu letras para várias músicas do álbum anterior, divide composição com Wright, que teve sua primeira música, em que teve voz principal desde Dark Side of The Moon, em "Wearing the Inside Out". A escrita de Moore continuou em praticamente todas as músicas do álbum solo de Wright, Broken China.
A banda lançou o álbum Ao vivo P*U*L*S*E em 1995. Ele chegou ao 1º lugar das paradas dos EUA, e contém músicas que foram gravadas da turnê do Division Bell no Earl Court em Londres. O concerto do Division Bell é uma mistura do clássico e do Pink Floyd moderno. O concerto em Earls Court, marcaria a primeira vez que a banda tocou inteiramente o Dark Side of the Moon, desde duas décadas. Versões de VHS e Laserdisc do concerto de 20 de Outubro de 1994, em Earls Court, também foram lançadas. Uma versão de DVD também foi lançada em 2006 e rapidamente caiu nas paradas. A caixa de cd de 1994, tinha um LED e pilhas, o que fazia com que um ponto vermelho piscasse uma vez por segundo, como uma batida de coração, quando na coleção do dono do CD. Mais tarde em 1995, a banda recebeu seu primeiro e único prêmio Grammy para Melhor Performance de Instrumental de Rock com "Marooned".

Trabalho Solo e Mais: 1995-Presente
Em 17 de Janeiro de 1996, a banda foi indicada ao Hall da Fama do Rock and Roll pelo lider da banda Smashing Pumpkins, Billy Corgan. Roger Waters não compareceu, ainda sendo contra, seus antigos parceiros de banda. No seu discurso de entrada, Gilmour disse, "Eu terei que pegar um pouco mais desse para nossos dois integrantes que começaram a tocar em diferentes tons; Roger e Syd..." Apesar que Mason esteve presente quando aceitaram o prêmio, ele não se juntou a Gilmour e Wright (e Billy Corgan) para sua performance acústica de "Wish You Were Here".
Uma gravação Ao vivo do The Wall foi lançada em 2000, compilada em shows de Londers em 1980-1981, com o nome de Is There Anybody Out There? The Wall Live 1980-81. Ele chegou ao 19º lugar nas paradas dos EUA. Em 2001, um disco duplo com as músicas mais conhecidas da banda, chamado de Echoes: The Best of Pink Floyd, foi lançado. Gilmour, Mason, Waters e Wright, todos colaboraram na edição, sequenciação e seleção das músicas para as faixas. Pequenas controversias seriam que as músicas não seguem uma ordem cronológica e apresentam material fora do contexto dos álbuns originais. Algumas das faixas, como "Echoes", "Shine On You Crazy Diamond", "Sheep", "Marooned", e "High Hopes" tiveram seções substancialmentes retiradas delas. O álbum chegou ao 2º lugar das paradas do Reino Unido e dos EUA.
Em 2003, um relançamento do Dark Side of the Moon em SACD foi lançado, como novo encarte e capa. Um relançamento do Wish You Were Here está sendo trabalhado, mas sem datas anunciadas até agora para lançamento. O livro de Nick Mason "Inside Out: A Personal History of Pink Floyd" foi publicado em 2004 na Europa e em 2005 nos EUA. Mason fez aparições públicas, em promoção do livro em algumas cidades da Europa e dos EUA, dando entrevistas e autografando livros. Alguns fãs dizem que ele disse que gostaria estar em turnê com a banda, do que uma turnê com o livro.
O agente do Pink Floyd de longa data, Steve O'Rourke morreu em 30 de Outubro de 2003. Gilmour, Mason e Wright se reuniram no seu funeral e tocaram "Fat Old Sun" e "The Great Gig in the Sky" na Catedral de Chichester, como homenagem. Dois anos depois, em 2 de Julho de 2005, a banda se reuniu uma vez de novo, em uma performance em Londres no Live 8. Desta vez, no entanto, eles se juntaram com Waters - a primeira vez que todos os quatros integrantes estiveram num palco em 24 anos. A banda tocou um set de 4 músicas consistindo em "Speak to Me/Breathe/Breathe (Reprise)", "Money", "Wish You Were Here" e "Comfortably Numb", com ambos Gilmour e Waters dividindo os vocais. No final da performance Gilmour agradeceu "muito obrigado, boa noite" e começou a sair do palco. Waters chamou ele de volta, e então, a banda deu uma abraço coletivo, que se tornou uma das imagens mais famosas do Live 8.
Na semana depois do Live 8, houve um renascimento em interesse sobre o Pink Floyd. De acordo com a cadeia de empresas HMV, as vendas de Echoes: The Best of Pink Floyd aumentaram na semana seguinte em 1343%, enquanto Amazon.com constatou aumento das vendas do The Wall em 3600%, Wish You Were Here em 2000%, The Dark Side of the Moon em 1400% e Animals em 1000%. Subsequentemente David Gilmour declarou que ele doaria a sua parte dos lucros desse aumento para caridade, e incentivou todos os outros artistas e gravadoras que se envolveram com o Live 8, a fazerem o mesmo. Em 16 de Novembro de 2005, o Pink Floyd foi indicado no Hall da Fama da Música do Reino Unido por Pete Townshend. GIlmour e Mason compareceram em pessoa, explicando que Wright estava num hospital devido à uma cirurgia no olho, e Waters apareceu numa transmissão via satélite, de Roma.
David Gilmour lançou seu 3º álbum solo, On an Island em 6 de Março de 2006, e começou uma turnê de pequenos shows na Europa, Canadá e EUA, e com a banda estavam juntos Richard Wright, e durante muitas vezes para o Bis, Nick Mason. Durante a turnê, ele tocou o primeiro single do Pink Floyd, "Arnold Layne". Waters foi convidado para se juntar à ele em Londres, mas os últimos ensaios para sua turnê de 2006 o fizeram a recusar. Mason se juntou à Waters em 29 de Junho de 2006 na segunda metade do show em Cork na Irlanda, aonde ele tocou todo o Dark Side of the Moon.
Waters e Wright estão ambos trabalhando em álbuns solo, e existe rumores que Waters estaria fazendo uma versão musical da Broadway de The Wall, com músicas extras escritas por Waters. Waters também embarcou em sua turnê mundial "The Dark Side of the Moon Live Tour", e o repertório consistiu no Dark Side of the Moon inteiro, junto com algumas seleções de músicas do Pink Floyd, e algumas poucas músicas solo da carreira do Waters. Waters também contribuiu com a música "Hello (I Love You)", co-escrita por Howard Shore, para o filme de 2007, "A Chave do Universo" (The Last Minzy). Waters terá a sua ópera "Ça Ira" executada no Brasil durante o 12º Festival de Ópera de Manaus, com espectáculos nos dias 15, 22 e 24 de Abril de 2008. Durante o espectáculo do dia 15 Waters estará presente.

Direções Futuras
Muitos fãs expressaram esperança, que a apresentação do Live 8 os levariam à uma turnê de reunião, e uma oferta que bateu recordes, de US$250 milhões foi oferecida para uma turnê mundial, mas a banda deixou claro que não existem planos para tal. Nas semanas depois do show, no entanto, as rixas entre os membros, pareciam ter se acertados. Gilmour confirmou que ele e Waters estavam em "termos amigáveis", mas Waters têm apresentado comentários conflitantes desde então, com afirmações que variam de "Eu posso rolar por um show, mas eu não poderia rolar por uma grande turnê" e "Eu espero que nós o façamos de novo", mas recentemente, suas afirmações indicam seu desejo por tocar de novo, não por uma turnê, mas por um evento similar ao Live 8.
Em 31 de Janeiro de 2006, David Gilmour apresentou uma afirmação em nome do grupo, dizendo que não existem planos para uma reunião, indo contra os rumores que a mídia fizera. Gilmour mais tarde, afirmou numa entrevista ao La Repubblica que ele terminou com o Pink Floyd, e espera se focar em seus projetos solos e sua família. Eles menciona que ele concordou tocar no Live 8 com Waters, para apoiar a causa, para fazer as pazes com Waters, e sabendo que ele se arrependeria se não o fizesse. No entanto, ele afirma que o Pink Floyd estaria ansioso para tocar em um concerto "que apoiásse os acordos de paz de Israel e Palestina". Então falando com a Billboard, Gilmour mudou seu sentimento "terminou com Pink Floyd" para "quem sabe". Uma apresentação surpresa, pela formação do Pink Floyd pós-Waters, com David Gilmour, Rick Wright e Nick Mason ocorreu na última apresentação do Gilmour no Royal Albert Hall em 31 de Maio de 2006, enquanto os 3 tocaram "Wish You Were Here" e "Comfortably Numb".
2007 foi o aniversário de 40 anos em que o Pink Floyd assinou com a EMI, e o aniversário de 40 anos do lançamento dos 3 primeiros singles "Arnold Layne", "See Emily Play" e "Apples and Oranges" e do seu primeiro álbum The Piper at the Gates of Dawn. Isso foi marcado pelo lançamento de uma edição limitada contendo mixagens estéreo e mono do álbum, além de faixas dos singles e gravações raras.
Em 10 de Maio de 2007, Roger Waters tocou em um concerto em homenagem ao Syd Barrett no Centro Barbican em Londres. Isso foi seguido de uma apresentação surpresa pelo Pink Floyd pós-Waters, com David Gilmour, Rick Wright e Nick Mason de "Arnold Layne" para um estrondoso aplauso e uma ovação em pé. Mas, esperanças de um próximo show de reunião com a formação clássica foi descartada quando Waters não tocou com o grupo. Roger Waters subiu ao palco aos gritos de "Pink Floyd!" ao qual ele respondeu "Mais tarde." Gilmour, Mason e Wright subiram ao palco aos gritos de "Roger Waters!" ao qual Gilmour respondeu educadamente, "Yeah, ele esteve aqui também, agora o resto de nós."
Mais recentemente, Waters se tornou mais e mais aberto para uma reunião com o Pink Floyd. Em uma entrevista em 2007 ele disse, "Eu não teria nenhuma problema se o resto deles quisesse se juntar de novo. E isso nem precisaria acontecer para salvar o mundo. Isso poderia acontecer somente por ser divertido. E as pessoas o adorariam."
Em 24 de Setembro de 2007, Gilmour afirmou sobre uma reunião futura do Pink Floyd, de qualquer jeito, sendo ela com Roger Waters ou não; "Eu não sei porque eu gostaria de voltar atrás para aquela coisa antiga. É bastante retrogressivo. Eu quero olhar para frente, e olhando para trás, não é minha alegria."
Em 10 de Dezembro (Reino Unido) e 11 de Dezembro (EUA), o Pink Floyd lançou um novo box, Oh, By the Way contendo todos os 14 álbuns de estúdio com suas respectivas atuais remasterizações, encarte original de vinil, mais encarte por Storm Thorgenson.
No dia 21 de Maio de 2008, O Pink Floyd recebeu o prêmio Polar na cidade de Estocolmo,Suécia. O júri declarou que sua decisão foi baseada na importância do Pink Floyd para a evolução da música popular, por uni-la à arte, em sua proposta experimental, e por seu sucesso em “capturar e formar reflexões e atitudes para toda uma geração”. O júri declarou ainda que a banda “inspirou e marcou o caminho para o desenvolvimento do rock progressivo”.

Espectáculos ao vivo

Suíno gigante flutuando durante concerto de Roger Waters, tal qual na época do Pink Floyd
O Pink Floyd são reconhecidos pelos seus prodigiosos espectáculos ao vivo, que combinam as mais modernas experiências visuais com a sua música para criar um espectáculo onde os próprios artistas são quase secundários. Os Pink Floyd, nos seus primeiros tempos, foram das primeiras bandas a usar jogos de luzes próprios nos seus espectáculos, projectavam slides e filmes e formas psicodélicas numa grande tela circular. Mais tarde foram adicionados aos espectáculos efeitos especiais, incluindo lasers, pirotecnia e balões gigantes (um suíno gigante flutuava sobre a audiência durante a actuação de "Pigs" do álbum Animals).
O espectáculo mais elaborado que os Floyd montaram foi o da digressão de The Wall, no qual um grupo de músicos contratados tocava a primeira música usando máscaras de borracha (provando assim que os membros da banda não eram reconhecidos pelas suas personalidades individuais). Depois, um gigantesco muro era erguido, separando a banda da audiência e que no final do espectáculo era demolido por explosões. Este espectáculo foi recriado por Roger Waters em 1990 no meio das ruínas do Muro de Berlim, convidando para o efeito músicos conhecidos como Bryan Adams, Van Morrison, Scorpions, The Band, Joni Mitchell, Cyndi Lauper e Sinéad O'Connor.
Os prodigiosos espectáculos ao vivo serviram também de base ao grupo de rock ficcionário Disaster Area de Douglas Adams (criadores do maior barulho do Universo, que usavam chamas solares nas suas actuações) na série The Hitchhiker's Guide to the Galaxy. Douglas Adams era amigo pessoal de Gilmour e tocou guitarra em um dos últimos concertos da tournée de “The Division Bell”, sendo que em uma das datas era seu 42º aniversário.

Em Lisboa

Roger Waters em concerto no Rock in Rio, em 2006.
A 22 e 23 de Julho de 1994, os Pink Floyd tocaram pela primeira vez em Portugal, no antigo Estádio José Alvalade, no qual estiveram presentes 120 mil pagantes (60 mil em cada um dos espectáculos, que é a lotação esgotada do estádio). Nesta digressão europeia, Portugal foi escolhido para o primeiro espectáculo. Segundo diversas opiniões o primeiro espectáculo ao termos sonoros foi melhor, outros dizem somente que estava mais alto o volume. No Brasil
Pela segunda vez no Brasil (a primeira vez ocorreu em março de 2002), Roger Waters resolve realizar shows no Brasil, onde a banda pela qual ele fez parte por vários anos, jamais passou. E com a promessa de tocar o aclamado álbum The Dark Side of the Moon. Dito e feito. Um dos show realizados em São Paulo ocorreu em 24 de março de 2007 no estádio do Morumbi. Com pouco mais de 40 mil fãs[carece de fontes?], Roger abriu o show com a tradicional In the Flesh (The Wall) com direito a fogos de artifício e um show de iluminação.
Seguidos de clássicos como Shine On You Crazy Diamond e Wish You Were Here, o público delira quando ele toca Sheep e um porco voador rodeia o estádio e é solto no céu estrelado da noite. Depois do intervalo de dez minutos, Roger volta para tocar o magnífico álbum The Dark Side of the Moon.

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